RAN-KING

Comunicado de RAN-KING

2008-07-11T16:27:00.003-05:00

Estimados:
Por inconvenientes cerebrales este blog entra en reestructuración hasta la quincena de agosto.
Saludos a todos los que han alentado y presionado para que este espacio continúe su irregular andar.
Hasta agosto.

JPL

Los 7 mejores discos del 2007: segundo lugar

2008-05-16T15:59:00.013-05:00

Feist - The Reminder

Sé que es vergonzoso que a estas alturas (¡mayo!) no haya terminado de escribir mis textos sobre los mejores discos del 2007. Sin embargo este ha sido un emprendimiento que debo acabar. Y lo debo hacer con urgencia, sobre todo porque existen una serie de discos nuevos sobre los que quiero escribir y el hecho de no haber terminado esta vaina me jode. Seguramente la demora se debe, entre otras cosas, a que por momentos creo que cambiaría los puestos iniciales e incluiría algunos discos, como el de Grinderman, pero la elección fue hecha y programada en su momento, y eso hay que respetarlo.

Acá vamos con el segundo mejor disco del año pasado. De hecho no lo ponía en el reproductor de CD hace tiempo, pero recuerdo que cuando lo escuché por primera vez me quedé asombrado y enamorado de la que, a mi entender, es la nueva diva de la música contemporánea, Leslie Feist, que como mucho de lo bueno del 2007 es canadiense.

LA DE LA VOZ MÁGICA
Entre Chan Marshall, Joni Mitchell e, incluso, Björk; la forma y el timbre de la voz de Feist en The Reminder hipnotiza suavemente. Por momentos es susurrante y se convierte en el acompañamiento divino y confortante de los latidos de tu corazón (So Sorry, Intuition, la misteriosa The Water). En otros pasajes del disco su voz es poderosa, muy humana y provoca una eufória melancólica (I Feel It All; Past in Present, una de mis canciones favoritas en el año), o un placer lúdico (el hit 1234).

The Reminder (un paso gigantesco luego de su segundo disco de estudio, Let It Die, 2004) es un álbum pop, pero también un disco introspectivo, nostálgico, de pianos y guitarras acústicas (que la propia Leslie toca notablemente), simple en ejecución, que juega mucho con el silencio e incluso con sonidos ambientales y los ecos naturales de los espacios (entre My Moon My Man y la fabulosa The Park se escuchan los pasos de una persona, Feist, que sale de un lugar, una casa, y llega al parque para interpretar su canción entre pajarillos y naturaleza). También hay tiempo para el tributo, como la bailable Sealion, una revisión de See-Line Woman de la fallecida cantante afroamericana Nina Simone.
Una joya única cierra el disco. La delicada How My Heart Behaves está cantada en dúo por Feist y Eirik Glambek Bøe del buen grupo noruego Kings of Convenience. Así finaliza lo que pudo haber sido el mejor disco del año (de hecho lo fue para los canadienses); un álbum redondo, de canciones extraordinarias (como, repito, The Park, Past in Present , I Feel It All y The Water), como los que ya no se hacen muy a menudo. Leslie ya no es más la chica que canta la canción del comercial de Lacoste; es musa y genio al mismo tiempo.

lista de canciones
1. So Sorry
2. I Feel It All
3. My Moon My Man
4. The Park
5. The Water
6. Sealion
7. Past in Present
8. The Limit to Your Love
9. 1234
10. Brandy Alexander
11. Intuition
12. Honey Honey
13. How My Heart Behaves

I Feel It All y parte de The Park en un bus

Video de 1234

Past in Present en vivo

Video de My Moon My Man

La bella adora a la bestia

2008-05-07T17:38:00.013-05:00

Scarlett Johansson se casa con el ex de Alanis Morissette pero eso no me importa. Tampoco creo que este hecho insignificante (probablemente no se concretará el matrimonio o se divorciarán pronto) tenga que ver con el debut discográfico de la que para muchos es el ser más bello sobre el planeta (me guardo la opinión porque luego mi mujer me pega). Así es, el próximo 20 de mayo el sello Atco lanzará al mercado mundial Anywhere I Lay My Head, el primer álbum musical de la actriz de 23 años.

Lo más excitante del asunto es que el disco es un tributo al genial Tom Waits (para efectos de este post, ‘la bestia’), ídolo personal y uno de los cinco más grandes compositores e intérpretes ‘solistas’ de los últimos 40 años (junto con Dylan, Lou Reed, Neil Young y Johnny Cash. ¿Me olvido de alguien?).
Para tan exigente, por no decir temerario, emprendimiento, la nueva musa de Woody Allen ha sabido elegir mejor que en el amor: la acompañan el extraordinario guitarrista de los Yeah Yeah Yeahs (Nick Zinner), el multinstrumentista Sean Antanaitis (del grupo estadounidense Celebration), y un tal David Bowie (de él me olvidaba líneas arriba) que la ayuda con las voces en un par de canciones. Además, Dave Sitek, guitarrista de TV on the Radio, produce el disco y escribió con Johansson el único tema original de la producción, Song for Jo.
Se anuncia que Anywhere I Lay My Head estará formado por una decena de canciones provenientes de diversos álbumes de la mutante trayectoria de Waits, desde Small Change (1976) y Rain Dogs (1985); hasta Alice (2002) y el disco triple Orphans (el mejor disco del 2006 para RAN-KING). Imborrables temas como I Don't Want to Grow Up, Who Are You? y Town with No Cheer serán extraídos de la voz volcánica del gigante Tom para renacer en la nueva electricidad que propone la venus Scarlett.
¿Que cómo canta la niña? Pues aquí un adelanto del disco, el video de Falling Down (Bowie en el coro), y el recordado karaoke de la película Lost In Translation, donde interpreta la clásica y bella Brass In Pocket de The Pretenders.
¿Es para emocionarse?

Video de Falling Down

Brass in Pocket, escena de Lost In Translation

Los 7 mejores discos del 2007: tercer lugar

2008-04-03T17:27:00.001-05:00

The Hives - The Black And White Album

En febrero pasaron por México...

It Won't Be Long en vivo en Guadalajara

Los 7 mejores discos del 2007: cuarto lugar

2008-04-03T17:22:00.004-05:00

Bruce Springsteen - Magic

Un hombre cae en un hoyo negro luego de una explosión que derrumba los Estados Unidos. En su desesperación, busca alguna señal de vida, quiere comunicarse con alguien, quiere sentir algún ritmo en medio del caos. Ese hombre puede ser alguno de nosotros, pero no es cualquiera, es Bruce Springsteen.
En Radio Nowhere, la canción que abre su nuevo disco, Magic, 'The Boss' (a sus 58 años) vuelve a tomar las riendas de su grupo, The E Street Band, y lo conduce a pie firme por el mismísimo apocalipsis. “This is Radio Nowhere, is there anybody alive out there?”, corea bajo una nebulosa lluvia eléctrica.

La situación no es una alegoría futurista, es un destemplado grito de auxilio contemporáneo que puede venir del pasado o del futuro. Es que Bruce ve a su amado país caerse a pedazos bajo el gobierno de George Bush y no puede quedarse callado. Sigue encabezado la lucha.

LA VISIÓN DEL JEFE/LA ENERGÍA DE SIEMPRE
“Yo no quería un disco explícitamente anti Bush. Ya ha sido hecho y no es lo que la gente realmente necesita en este momento. La escritura tiene que ser multidireccional… para tener vida”, explicó el jefe Springsteen al jefe de redacción de la Rolling Stone hace unos meses. En esa línea de reflexión, Magic resulta un disco fascinante, rico en metáforas, imágenes, y no es del todo político. Es otra joya que habla del ser humano y de sus relaciones (I’ll Work For Your Love), de las distintas etapas de la vida (Girls In Their Summer Clothes), de la muerte y el vacío que produce (Gypsy Biker); del compañerismo, del cariño y su melancólico desenlace (Terry’s Song, un folk lento incluido a último momento y dedicado a su asistente de toda la vida, Terry Magovern, que falleció en julio pasado). No es pesimista, pero nostálgico. Es energía pura, como siempre.

Lo político está en canciones como Living In The Future, que tiene el pulso pop de temas como Glory Days; y la vibrante y claramente antibélica Last To Die (“Who’ll be the last to die for a mistake… whose blood will spill, whose heart will break… The wise men were all fools, what to do"). Ambas son parte de esa emotiva marca registrada de 'The Boss', que, para alegría de todos, sigue utilizando.
Magic (la canción diferente del disco y, no obstante, la que le da nombre) está tocada en tonos bajos y guitarra acústica. Es una canción de una brillantez que embruja y cuya letra puede interpretarse como una metáfora sobre los engaños que el gobierno republicano utiliza para controlar a la sociedad. Nada es lo que parece. La reproducción de una parte de la letra es una obligación: “I got a shiny saw blade. All I needs’ a volunteer. I ‘ll cut you in half while you’re smiling ear to ear. And the freedom that you sought’s, driftin’ like a ghost amongst the tress. This is what will be”. Este tema, Radio Nowhere y Long Walk Home son, sin duda, de lo mejor de su larga carrera.
En suma, comparándolo con los últimos trabajos del jefe, Magic se asemeja a The Rising (2002, ganador del Grammy como mejor álbum rock en el 2003), pero lo supera. El trabajo del productor, Brendan O’Brien, ha sido fundamental para la recuperación de Springsteen al primer plano del mundo musical. Con él, Bruce suena moderno y al mismo tiempo revalida la esencia sonora de sus mejores discos, como Born To Run y Born In The U.S.A.
Tranquilos, el jefe está de vuelta.

Lista de canciones
1. Radio Nowhere
2. You'll Be Comin' Down
3. Livin' in the Future
4. Your Own Worst Enemy
5. Gypsy Biker
6. Girls in Their Summer Clothes
7. I'll Work for Your Love
8. Magic
9. Last to Die
10. Long Walk Home
11. Devil's Arcade
12. Terry's Song

Radio Nowhere en vivo (Estocolmo, 2007)

Video de Girls In Their Summer Clothes

Video de Long Walk Home

Bob Dylan y su banda: Sábado 15 de marzo del 2008, Estadio de Vélez Sarsfield, Buenos Aires, Argentina

2008-03-24T15:31:00.033-05:00

INTRODUCCIÓN
Estoy convencido de que el ser humano es feliz siempre y cuando intente cumplir sus sueños. Me corrijo: siempre y cuando cumpla sus sueños. Porque los sueños son el espacio más intenso y personal, son mejor que la vida, y emprender su copia real en el mundo cotidiano es determinante para conseguir satisfacción, esa sensación que casi siempre es poco extensa y caprichosamente volátil.
Bueno pues, a mediados de enero de este año me enteré que Bob Dylan iba a dar un concierto en Buenos Aires. Inmediatamente llamé a una serie de personas que lamentablemente me confirmaron que Dylan no pisaría suelo peruano en su gira latinoamericana, que empezaba en México y terminaba en Uruguay (¿Qué pasó acá, no que ahora, que bajaron los impuestos, iban a traer a los mejores? En fin).
Así que no me quedaba otra que sacrificar parte de mis ahorros y hacer todo lo posible para verlo. Era ahora o nunca.

En un emprendimiento insólito para mi clásica dejadez de mediano plazo, me vi de pronto en la cancha del estadio de Vélez Sarsfield, el 15 de marzo del 2008, a las 9:10 p.m. a pocos metros del escenario en el que en veinte minutos estaría Bob y su banda, solo pero entre 18 mil personas, pidiéndole a un cusqueño (que, con su esposa, había viajado tanto como yo para ver al genio de estadounidense), que me tomara una fotografía de espaldas al escenario (caleta, pues los de seguridad no lo permitían).
Pocos minutos antes había cantado León Gieco, haciendo gala de su gran voz, aunque anticuado, como toda la vida, al estilo del Dylan de hace millones de años. Mejoró la cosa cuando lo acompañaron Charly García y Gustavo Santaolalla. El flaco dijo “Todo por Bobby” antes de una simpática versión de El Fantasma de Canterville.
Luego de que el cusqueño, que se sentaba atrás, me dijera que Ian Paice era mejor baterista que John Bonham y que todos los limeños éramos unas gallinas, “sobre todo los que trabajan en El Comercio”, me largué con el tumulto que burló a los 911 y aproveché los espacios libres más cercanos al escenario. Cuando el seguridad me gritó “¡Señor!” para detenerme, yo ya había corrido y estaba escuchando Rainy Day Women #12 & 35 a pocos metros del más grande compositor de la música popular de todos los tiempos.
Adelante, tampoco permitieron tomar fotos, pero eso era lo de menos, la magia que presenciamos no era de este mundo, o mejor, era tan de este maravilloso mundo que conmocionaba hasta la médula.

EL DYLAN DEL SIGLO XXI, EL DYLAN DE SIEMPRE
El sueño de Robert Zimmerman (24 de mayo de 1941, Duluth, Minnesota) fue ser una estrella de rock and roll y para eso tuvo que mentir, robar y reinventarse a lo largo de casi 50 años de carrera. Fue Woody Guthrie, Robert Johnson, Pete Seeger, Hank Williams; pero ahora Dylan es superior a todos y, transformado nuevamente, se encuentra en unos de los mejores momentos de su carrera.

La nueva ‘dylanmanía’ empezó en el 2005 con el estreno del documental No Direction Home, dirigido por Martin Scorsese y que trata sobre la vida del cantante hasta que alcanzara fama mundial. Al año siguiente, el compositor sacó Modern Times, su último disco, que fue, con justicia, elegido por la crítica como el mejor del año (Lo mismo ha ocurrido con los dos álbumes que lo precedieron: Love And Theft del 2001 y Time Out Of Mind de 1997).
Como si esto fuera poco, el año pasado el director Todd Haynes expuso I’m Not There, una película que está inspirada en las distintas etapas de la vida de Dylan y que causó revuelo mundial por la caracterización que hizo Cate Blanchett del Bob de la etapa de Highway 61 Revisited. Esto le valió un Globo de Oro y una nominación al Oscar.
Además, el parco Bobby sigue siendo noticia por sus cómicas extravagancias. A fines de febrero, al llegar a México, visitó un gimnasio de boxeo para tirar algunos ganchos; y antes de su última presentación en Latinoamérica, en Punta del Este, dio un paseo en bicicleta vestido de mujer.
Está claro que a sus 66, Dylan sigue siendo el mejor del Mundo. En la historia es probable que los Beatles lo superen; pero los cuatro juntos, porque separados no le llegan a Bob ni a la rodilla.

LA NOCHE DE LOS SUEÑOS
En el lúcido prefacio de El Retrato de Dorian Gray, Oscar Wilde afirma que “Revelar el arte y ocultar al artista es la meta del arte”. Más allá de su timidez, el hermetismo de Bob Dylan sobre el escenario responde a esto. Además, la forma en que destruye y vuelve a construir sus canciones obliga al espectador a permanecer callado, hipnotizado, a escuchar reprimiendo las típicas ganas de cantar las conocidas letras que el maestro destroza con cambios melódicos, tonos de voz, y cortes imprevistos.

A las 9:30 p.m. apareció junto con el resto de su fabulosa banda de rock and roll (según Bob, la mejor que ha tenido), todos con sombrero y traje: Tony Garnier en el bajo, George Recile en la batería, Denny Freeman en la primera guitarra, Stu Kimbal en la rítmica y Donnie Herron en la pedal steel. Dylan se calzó la Fender Stratocaster y empezó con tres clásicos que abrigaron el leve frío de la noche: Rainy Day Women #12 & 35, Lay, Lady, Lay y Watching The River Flow.
Todavía era demasiado pronto para asimilar que el concierto había empezado y que Bob estaba a pocos metros improvisando algunas progresiones de blues con la guitarra.
Como en todos sus conciertos del 2008, para la cuarta canción dejó las seis cuerdas y se paró frente a las teclas. Garnier tomó el contrabajo y marcharon juntos, comandando una versión de miedo de la inmortal Masters Of War que puso los pelos de punta. Fue la primera apoteosis de la noche.
Todo es arte en movimiento. Nada es igual, todo es distinto y nuevo. Con su voz metálica, grave y gangosa, hizo una vivisección de sus palabras. No tuvo un papel con las letras frente a sus ojos. Si no recordaba, improvisaba. Cantaba y podaba oraciones. A veces cortaba como el diamante en el vidrio. O lento como con un bisturí en una cirugía cerebral. O rápido, con un cuchillo dentado. A veces arrastraba por el piso frases increíbles y terminaba desgarrandoles el brazo.
Un total de cinco fueron los temas del Modern Times que incluyó Dylan en el set list del José Amalfitani. El primero de ellos fue The Levee’s Gonna Break, una revisión del clásico blues de la década de los 20 de Kansas Joe McCoy y Memphis Minnie (también la grabó Led Zeppelin en su legendario cuarto álbum de 1971). Herron demostraba su versatilidad en una mandolina eléctrica mientras Bob parecía pasarla bien; parecía que sonreía y movía los hombros con el ritmo acelerado que emprendían Garnier y Recile. Eso fue lo más cercano a la euforia que estuvo un Dylan que interpreta lo que quiere de su interminable catálogo, pero nada es igual, todo es nuevo y sorpresivo, incluso para sus músicos. Cuando finalizaba una, el sexagenario aprovechaba los aplausos para informar al resto de la banda cuál venía.
Luego Dylan tomó la armónica para la suave y emotiva Spirit On The Water. El pedal steel y el genial punteo de Freeman provocaron uno de los mejores momentos del concierto, que continúo arriba con una versión sensacional de la canción de la película Wonder Boys (con la que Bob ganó el Oscar en el 2000), Things Have Changed, con Herron en el violín.
La música es interpretación y Dylan es un mago que juega con las melodías y sabe las posibilidades de unas cuerdas vocales que ya tienen más de 60 años pero que todavía pueden ponerle la carne de gallina a un estadio (casi) lleno.
El monstruo del fraseo no dice nada entre canciones (solo presentó a sus músicos), pero lo dice todo en ellas; como en las versiones que siguieron de Workingman’s Blues #2 y Just Like A Woman. Otro momento extraordinario, con Kimbal en la guitarra acústica, trayendo desde 1966 el conmovedor arpegio inicial.
Fue todo un placer observar el galopante talento de Recile en Honest With Me, tema principal de Love And Theft. El baterista hizo gala de su envidiable muñeca a lo largo de todo el concierto, extraordinario con los platillos, el sonido y el control de los volúmenes (lo único que perturbó por momentos fue un problema en el micrófono de la tarola).
En el recital que nunca decayó, When The Deal Goes Down provocó lágrimas de emoción con frases como “Tomorrow keeps turning around, we live and we die, we know not why, but I'll be with you when the deal goes down”. Garnier tocó el contrabajo con arco y el punteo de Freeman motivó una ovación inesperada.

La banda volvió al blues con una versión de Highway 61 Revisited que tuvo como clímax el contrapunto de guitarras que tejieron Kimbal y Freeman; y después el gentío siguió con las palmas el lento Nettie Moore, una de las más sorprendentes canciones de Dylan de los últimos tiempos. El coro, que sube desde una estrofa sutil, fue otra invitación a la emoción más sublime, otro momento inigualable.“I loved you then and ever shall, but there's no one here that's left to tell. The world has gone black before my eyes”, cantó Dylan con voz vibrante y dramática.
Summer Days, de Love And Theft, marcó otra ruptura. Fue el momento más divertido del concierto (los de la banda rieron cuando a Recile se le cayó una baqueta de las manos) y, a la postre, un perfecto paso previo a Like A Rolling Stone, que, como era de esperarse, hizo mover todo el estadio.

REGRESO X 3
Regresó de un breve paso por los camerinos y todos contuvimos la respiración al ver la entrada de un personaje de sombrero que ahora parecía poseer la personalidad de un ser superior, o de un brujo. Entré en shock cuando escuché las primeras palabras de Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again (“The ragman draws circles, up and down the block”), porque es mi canción favorita de Dylan en los últimos meses.
Me moví como chancho y luego me arrodillé ante una versión inigualable de All Along The Watchtower, solo similar al cover de Jimi Hendrix. Mientras Freeman reproducía con virtuosa lentitud el riff de Hendrix y Recile levantaba la marcha luego de cada estrofa con estruendosos redobles, cayó un telón que cubrió la parte trasera del sobrio escenario negro con la figura de un ojo enorme en llamas. El mago de Dylan hizo una vez más, de la simpleza, un sismo.
Parecía que se iba definitivamente, pero tras saludar al público (jamás se inclinó) volvió y terminó de transformar nuestras mentes. Admito que nunca me gustó Blowin’ In The Wind, pero jamás olvidaré que la revisión que hizo cerca de las 11:30 p.m. de aquel sábado 15 de marzo me hizo llorar. Fue una balada rock más rica en armonía y timbres. En el coro, Bob subió un poco el tono, pero fue suficiente para dejarnos gritando gracias, aplaudiendo como niños y temblando como viejos.
Cumplí un sueño. Soy feliz.

Set list:
1. Rainy Day Women #12 & 35 (de Blonde on Blonde, 1966)
2. Lay, Lady, Lay (de Nashville Skyline, 1969)
3. Watching The River Flow (de Bob Dylan's Greatest Hits, Vol. 2, 1971)
4. Masters Of War (de The Freewheelin' Bob Dylan, 1963)
5. The Levee's Gonna Break (de Modern Times, 2006)
6. Spirit On The Water (de Modern Times, 2006)
7. Things Have Changed (del soundtrack de la película Wonder Boys, 2000)
8. Workingman's Blues #2 (de Modern Times, 2006)
9. Just Like A Woman (de Blonde On Blonde, 1966)
10. Honest With Me (de Love And Theft, 2001)
11. When The Deal Goes Down (de Modern Times, 2006)
12. Highway 61 Revisited (de Highway 61 Revisited, 1965)
13. Nettie Moore (de Modern Times, 2006)
14. Summer Days (de Love And Theft, 2001)
15. Like A Rolling Stone (de Highway 61 Revisited, 1965)
Bises
16. Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again (de Blonde On Blonde, 1966)
17. All Along The Watchtower (de John Wesley Harding, 1967)
18. Blowin' In The Wind (de The Freewheelin' Bob Dylan, 1963)

Inicio: Rainy Day Women #12 & 35 y Lay, Lady, Lay

Masters Of War

Just Like A Woman

Presentación de banda y All Along The Watchtower

Blowin' In The Wind

Estruendo púrpura: miércoles 20 de febrero del 2008, Estadio Nacional

2008-02-27T10:51:00.026-05:00

A las 9:15 p.m. del miércoles 20 de febrero se celebraba en el espacio el último eclipse de luna de la década. Unas 7 mil personas permanecíamos en la zona norte del Estadio Nacional mientras el acontecimiento astronómico ocurría por encima de nuestras cabezas. Sin embargo el cielo estaba cerrado y el verdadero espectáculo estaba en tierra firme: Deep Purple, la legendaria banda inglesa, remecía el suelo limeño con incandescentes estruendos que quedarán marcados en nuestras memorias y, particularmente, en el tímpano de mi oído izquierdo (sigo sordo).

El primer redoble de Ian Paice en el inicio de Pictures of Home prometía una noche arrasadora, como aquella registrada en Made In Japan (1973), el álbum más representativo de la banda y uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock and roll. La promesa se cumplió a cada minuto, a cada crujido metálico generado por el bajo del carismático Roger Glover, a cada arranque de la sorprendente voz de Ian Gillan, un tío que, a sus 62 años, continúa llegando a alturas inesperadas.
El trío, protagonista de la legendaria formación de la banda de 1972 a 1973 (junto con Jon Lord y Ritchie Blackmore), aquella que creo el fabuloso Machine Head (en mi opinión y siendo sincero, el resto de su material en estudio no es tan extraordinario), estuvo muy por encima de los otros dos integrantes de este Deep Purple versión siglo XXI.
Steve Morse (guitarra) hizo gala de una destreza instrumental indiscutible pero, durante muchos pasajes, carente de corazón. Acusó también exageraciones tímbricas y velocidades fuera de lugar, que, más que un aporte fueron un elemento que despistaba y deformaba el desarrollo de las canciones (es decir, cayó los típicos excesos del ‘guitar hero’ metalero). El ex guitarrista de Dixie Dregs y Kansas (sí, los de Dust In The Wind), no es, pues, Blackmore, el gran ausente de la noche, peleado con sus ex compañeros desde hace varios años.

Destaco, sin embargo, el buen humor de Morse, que entró en armonía con el resto del grupo (cinco señores que se la pasaron riéndose sobre el escenario), y su solidez rítmica. Para la sonrisa, apenas, fue el solo de guitarra en el que incluyó extractos de You Really Got Me de Kinks, Sweet Home Alabama de Lynyrd Skynyrd, Sweet Child O’Mine de Guns N’ Roses y Crazy Train de Ozzy Osbourne.
Don Airey (teclados), no se quedó atrás y emprendió un patero Cóndor Pasa y la ejecución alucinada de la suite de Star Wars. El trabajo de Airey fue correcto.
El resto del concierto se caracterizó por el estruendo colectivo de un público que cuantitativamente fue más sincero y alegre que el que acudió a ver a Roger Waters y Soda Stereo. Esto se dio seguramente porque asistieron verdaderos hinchas de la banda fundada en Hertfordshire. Headbangers por naturaleza.

Antes de que el quinteto emprendiera el sagrado trabajo de ejecutar la progresión fundamental del hard rock, aquella que está compuesta por cuatro notas (y sus quintas) tocadas en 12 golpes (me refiero, claro está, a la esperadísima Smoke On The Water); la banda inglesa supo construir un set list de lujo que abarcó gran parte de sus 40 años de carrera. Thigs I Never Said, Rapture Of The Deep, Kiss Tomorrow Goodbye (los únicos tres temas que tocaron de su último disco), y The Battle Rages On (del CD homónimo de 1993), fueron buenas acompañantes de clásicos menores como Into The Fire (de In Rock, 1970), Mary Long (de Who Do We Think We Are, 1973), y la sensacionalmente desinhibida Strange Kind Of Woman (1971).
Luego Machine Head desbarató nuestras cabezas. Lazy, la adictiva Space Truckin’, la célebre Highway Star (todas del legendario álbum de 1972), y Perfect Strangers (1984), formaron la mejor parte de la noche.
Llegó Smoke On The Water, tras una intro en la que Morse tocó la melodía de You've Got To Hide Your Love Away (coreada por el público conocedor de la obra de los Beatles), y se desató el furor en la zona norte del Nacional. Cuando uno cantaba "Smoke on the water, fire in the sky", no podía escuchar su propia voz, solo el estrépito de un gentío entregado a la música, al ritmo funky de este clásico de clásicos del rock mundial.
Hush (el hit del debut de 1968) y otro riff inolvidable, Black Night, fueron la cereza (púrpura) de la noche de eclipse en la que Deep Purple pisó tierra peruana, tapó el cielo y descosió nuestros oídos por dos horas enteras.

Set list:
1. Pictures Of Home
2. Things I Never Said
3. Into The Fire
4. Strange Kind Of Woman
5. Rapture Of The Deep
6. Mary Long
7. Kiss Tomorrow Goodbye
8. Solo de guitarra
9. The Battle Rages On
10. Lazy
11. Solo de teclados
12. Perfect Strangers
13. Space Truckin’
14. Highway Star
15. Smoke On The Water
Bises
16. Hush
17. Black Night

Parte de Space Truckin'

Fotos y video: Julio Pérez Luna (una lástima que el video del inicio del concierto no pudo cargar debido a su peso excesivo).

¡MUY PRONTO! Los 7 mejores discos del 2007: cuarto lugar (lo juro)

Los 7 mejores discos del 2007: quinto lugar

2008-02-11T12:31:00.000-05:00

Neil Young - Chrome Dreams II

Hace 20, 30, 40 años, el pirata no era el mismo. Su aporte a la industria musical era más romántico y, por supuesto, más trabajoso. No se limitaba a copiar un disco ajeno en la computadora, fotocopiar la carátula, escribir mal los nombres de las canciones y colocar algunos grandes éxitos como bonus al final del CD. Antes, el pirata era una especie de arqueólogo musical que se las arreglaba para descubrir cintas inéditas de los artistas más importantes y colocarlas en vinilo con el objetivo de complacer (y vender, claro está) a los fanáticos más exigentes. Elaboraron carátulas nuevas (algunas geniales) y consignaron nuevos títulos a discos no oficiales que, incluso, ayudaron a mitificar a los grupos del momento.

Algunos ejemplos: 1) Los piratas encontraron y publicaron las grabaciones de Bob Dylan y The Band en el legendario sótano de Big Pink (Woodstock, 1967). Luego Columbia no tuvo otra que publicar 24 de esas canciones en 1975 bajo el nombre de The Basement Tapes, considerado por muchos uno de los mejores discos de la historia. 2) Todo lo que salió en los seis discos de la Antología de The Beatles (y mucho más) ya había sido editado en centenares de bootlegs y, por lo tanto, escuchado 20 años antes por miles de personas. 3) Tal vez los mejores y más vibrantes registros en vivo hayan visto la luz primero como piratas. El clásico Destroyer de Led Zeppelin, resonante registro de un concierto de la banda en Cleveland, en abril de 1977 (y que sigue inédito como disco oficial), es un caso notorio.

DE PIRATA A ORIGINAL, PASADO Y PRESENTE

Chrome Dreams es uno de esos discos pirata, tan difundido entre los amantes de la música que muchos lo toman como parte de la discografía legal de Neil Young. Salió en 1976 y recopila grabaciones que el canadiense realizó antes de su American Stars ‘N Bars (1977). Incluye una versión distinta del clásico Like a Hurricane y canciones que luego se editaron, como Pocahontas y Hold Back The Tears.
Bueno, en el 2007 Neil siguió con la buena costumbre de sorprender al público y (con ironía, claro está) llamó a su nuevo disco Chrome Dreams II. El título no sólo es una forma de aceptar y reconciliarse con el pasado no oficial (sin haberse peleado con nadie, por supuesto), sino que es perfecto para enmarcar un grupo de canciones que fueron compuestas en distintas épocas pero grabadas hace solo unos meses.
Más claro: si el primer Chrome Dreams de vinilo agrupó sin permiso las primeras versiones de canciones que luego fueron editadas en otros discos, el segundo, de CD, es la publicación oficial y definitiva de algunos temas que solo se conocían por presentaciones en vivo y, obviamente, versiones piratas.

Sin embargo, lo más interesante de todo es que Chrome Dreams II es un completo repaso, de forma y sonido, de la carrera de Young. El disco se aleja del monumental Living With War (2006, un homogéneo pelotón de himnos rock hechos para gritárselos a Bush en la cara) para adquirir la apariencia de un Greatest Hits.

Aprovechando los distintos tipos de canciones que tenía a la mano, Neil ha querido (y logrado) conseguir una antología heterogénea, que estimula la evocación de sus discos más memorables.
Veamos. El disco abre con Beautiful Bluebird, un sencillo y bello tema acústico que nos transporta a la época de Harvest (1972), pero cuya creación data de la década de los ochenta. Boxcar también es ochentera de composición, pero posee el alma de los delirios acústicos de mitad de los setenta del canadiense.

Ordinary People, la canción del año para RAN-KING, fue creada en la época de Rockin’ In The Free World (1989), y sus 18 minutos de duración nos recuerdan que estamos frente a un endemoniado letrista y guitarrista eléctrico. Young dice "It’s hard to say where a man goes wrong, might be here and it might be there… but it’s hard to judge from an angry throng of hands stretched up in the air", y luego arremete con uno de esos punteos a los que nos tiene acostumbrados, tan heterodoxo como seminal.
No todas las canciones de Chrome Dreams II son descartes antiguos, y sin embargo nos siguen llevando de forma imaginaria al pasado del cantante. La rítmica The Believer parece sacada de On The Beach (1974), Spirit Road de Rust Never Sleeps (1979), y No Hidden Path de Ragged Glory (1990).
Dirty Old Man es un rock electrificado y frenético, cuyo título está claramente relacionado con uno de los temas más importantes de la carrera de Young, la acustica Old Man. Si en el clásico de 1972, Neil, en sus veintitantos, le decía a un anciano lo mucho que se parecían sus vidas, esta vez el protagonista de la canción, un viejo alcohólico y despreciable, se burla de sí mismo: "Yeah, I’m Gonna get fired for drinkin’ on the job. Got caught with the boss’s wife in the parking lot".
Una significativa mención merecen las sensacionales Shining Light y The Way, dos hermosas baladas valseadas, cuyos ritmos a ¾ llegan a ser hipnóticos. Ambas parecen resumir y explicar el alma del disco y su espíritu dicotómico, el pasado y el presente. En la primera, el cantante no sabe hacia dónde está yendo, mientras que en la segunda, acompañado por un coro de niños, afirma conocer cómo conducirte adonde perteneces. Se cierra el círculo.
Es Neil, por supuesto que sabe.

Lista de canciones
1. Beautiful Bluebird
2. Boxcar
3. Ordinary People
4. Shining Light
5. The Believer
6. Spirit Road
7. Dirty Old Man
8. Ever After
9. No Hidden Path
10. The Way

Escucha el pirata Chrome Dreams de 1976 en la playa de neil

Videos del canal oficial de Neil Young en YouTube

Dirty Old Man

Spirit Road

The Believer

The Way

Los 7 mejores discos del 2007: sexto lugar

2008-01-11T16:35:00.000-05:00

Arctic Monkeys – Favourite Worst Nightmare

¿Cuál es mejor, A Hard Day’s Night o Rubber Soul? Difícil decidir. El primero, el primigenio y más sensacional disco pop, apareció en 1964 y fue el responsable de la beatlemanía. El segundo salió apenas al año siguiente y marcó el inicio del cambio, el comienzo de la madurez compositora y musical; fue el disco que amplió las posibilidades, el paso previo a la obra cumbre (Revolver).
¿Cuál es mejor, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not o Favourite Worst Nightmare? Como ocurrió con A Hard Day’s Night, el primero de los Arctic Monkeys desató una fiebre popular en Inglaterra y el mundo entero (la locura empezó el año pasado en Internet). El debut más vendido de la historia de la música inglesa provocó que cuatro chibolos de 20 años procedentes del pequeño suburbio de Sheffield alcanzaran fama y fortuna. No podemos saber si Favourite… es el paso previo a algo superior, o a lo que sea, pero posee el toque de seguridad que da la experiencia (en el estudio, en la sala de ensayo) y, sobre todo, el talento en movimiento.

SEGUNDAS PARTES SON MEJORES
En comparación con su atronador debut, Favourite Worst Nighmare es el resultado de un mejor trabajo en el estudio de grabación y de un contundente influjo rítmico. Esta vez, el aporte del nuevo integrante, Nick O’Malley (que reemplazó al bajista original Andy Nicholson en mayo del año pasado) destaca por encima de todo. A lo largo del disco, el creativo bajo del más viejo del grupo (22 años y siete meses) se complementa a la perfección con la batería de Matt Helders, que ahora maneja los tambores y platillos con versatilidad y, con inteligencia, da lugar al silencio cuando es necesario (Brianstorm, Balaclava, D Is For Dangerous).
También queda claro que los nuevos pedales del vocalista y primera guitarra Alex Turner, y el apático Jamie Cook (segunda), han servido para la creación de canciones sorprendentes como This House Is A Circus y la romántica Only Ones Who Know.

Sin embargo, la gran noticia para el mundo musical es que Turner ha mejorado como compositor, letrista y, sobre todo, vocalista (por momentos el fraseo es sorprendente). Ejemplo de ello son Fluorescent Adolescent, Old Yellow Bricks, Do Me A Favour y el brillante cierre 505, canciones de estructuras perfectas y letras maduras que automáticamente provocan que visualices poéticas imágenes ("I'm going back to 505, If its a 7 hour flight or a 45 minute drive, in my imagination you're waiting lying on your side, with your hands between your thighs").
Los constantes cambios rítmicos, aleatorios puntos en el pentagrama, progresiones en corcheas, revisiones y jugueteos con los riffs, provocan que este Favourite Worst Nightmare, más que tu peor pesadilla favorita (siendo literal), sea el mejor recorrido en una gigantesca montaña rusa, y con los ojos cerrados.
Está claro que Alex, Jamie, Matt y Nick no son John, Paul, George y Ringo, pero a sus 21 (aunque parecen de 15) han hecho lo que muchas leyendas sexagenarias jamás pudieron: dos primeros discos memorables. ¿Cuál es mejor? Favourite Worst Nightmare (y, claro, Rubber Soul).

Lista de canciones:
1. Brianstorm
2. Teddy Picker
3. D Is for Dangerous
4. Balaclava
5. Fluorescent Adolescent
6. Only Ones Who Know
7. Do Me a Favour
8. This House Is a Circus
9. If You Were There, Beware
10. The Bad Thing
11. Old Yellow Bricks
12. 505

Videos de los tres singles de Favourite Worst Nightmare:

Brianstorm

Fluorescent Adolescent

Teddy Picker

Los 7 mejores discos del 2007: Introducción y séptimo lugar

2007-12-28T15:51:00.000-05:00

INTRODUCCIÓN: LO MEJOR DEL 2007

Comienzo con la cuenta regresiva de los 7 mejores discos del 2007, un año de cautivantes sorpresas, conciertos en Lima que parecieron milagros, extraordinarias voces femeninas, supremacías norteamericanas (sobre todo canadienses) y nórdicas, suntuosos regresos y una que otra decepción. Fue dura la elección. La cuestión se complicó, sobre todo por los buenísimos discos que aparecieron durante los últimos tres meses, de canciones sorprendentes, muchas de las cuales recién sonarán el próximo año.
Me gustaron mucho discos como Not Too Late de Norah Jones, 23 de los Blonde Redhead, el refrescante regreso de John Fogerty (Revival) y Volta de Björk (y sé que cada vez que lo escuche recordaré el inmejorable concierto que hizo en el Vértice de la Cultura).
También es justo destacar Under The Blacklight de Rilo Kiley, Boxer de The National y Ga Ga Ga Ga Ga de Spoon. Además, se quedaron a un paso de entrar en el grupo de los siete, las siguientes maravillas: el bucólico West de Lucinda Williams, Raising Sand de Robert Plant y Alison Krauss, y Challengers de The New Pornographers
Tal vez por la gran expectativa que tenía por escuchar lo nuevo de White Stripes (Icky Thump), The Shins (Wincing The Night Away) e Interpol (Our Love To Admire), sus álbumes no me llegaron a encantar del todo, aunque poseen buenos momentos musicales. También podría incluir aquí al hipercomentado In Rainbows de Radiohead. Definitivamente es un gran disco pero, particularmente, me cansa un poco escuchar a un megagrupo que siempre suena igual, sobre todo ahora que hay tantas cosas nuevas y buenas. Probablemente me equivoque.
Asimismo, debo aclarar que no he escuchado algunas placas que, seguro, me hubieran fascinado y, probablemente, quién sabe, en estos momentos formarían parte mi elección de lo mejor del año. Hablo de, por ejemplo, el nuevo proyecto de Nick Cave (Grinderman) que, me dicen, está muy bueno, y el disco de Iron & Wine. Ya habrá tiempo para descubrirlas y comentarlas.
Por otro lado, no voy a incluir discos que sonaron durante este año pero que fueron editados en el 2006. Solo cuentan los que tienen el 2007 como año de edición.
Para empezar bien con esto, y de paso dar algunas pistas sobre discos que ocuparán los primeros lugares (claro, en el caso de que esta elección le interesara a alguien que no sea mi mamá y mi novia), he querido elegir a los ganadores de lo que podríamos llamar la primera edición de los premios anuales RAN-KING, je. Aquí es necesario reconocer que, aunque este blog supuestamente es de música en general, trata básicamente sobre rock (sinceridad ante todo). Por ello, en esta elección no vamos a incluir hip-hop, ni reggaetón, ni jazz, ni cumbia (en tal caso elegiría a El Embrujo como canción del año, sin duda).
Luego (es decir, más abajo en este post) anunciaré el puesto 7 de los mejores discos del 2007. Espero sus comentarios.

Canción del año
Grupo del año
Voz femenina del año
Voz masculina del año
Dúo del año
Disco en español
EP del año
Reedición del año
Regreso del año
Concierto del año en el Perú

Canción del año: Neil Young – Ordinary People (de Chrome Dreams II)

La mejor canción del 2007 no se escribió este año, ni durante el 2006. Fue grabada por primera vez en 1988 y quedó esperando su momento en el estudio mientras continuaba acumulando fama en las presentaciones en vivo del gran compositor canadiense. Ordinary People posee nueve estrofas impresionantes y dura 18 minutos y 13 segundos que saben a poco cuando uno la escucha y automáticamente pone repeat en el reproductor. Quedaron relegadas Icky Thump de The White Stripes, Rehab de Amy Winehouse, Intervention de Arcade Fire, Tick Tick Boom de The Hives y Flourescent Adolescent de Arctic Monkeys.

Ordinary People (versión corta en concierto)

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Grupo del año: Arcade Fire (Canadá)

En este momento ningún grupo en el mundo suena con tanta fuerza y emoción. Y esto no es una opinión, es una verdad absoluta, rotunda como la muerte. Win Butler (voz principal, bajo, guitarras, etc.), Régine Chassagne (voz, teclados, acordeón, etc.), Richard Reed Parry (guitarras, órgano, acordeón, bajo, etc.), Tim Kingsbury (bajo, guitarra eléctrica y acústica), Will Butler (bajo, xilófono, sintetizadores, etc.), Sarah Neufeld (violín) y Jeremy Gara (batería) son los siete multiinstrumentistas oficiales de Arcade Fire, que este año sacó Neon Bible, el disco conceptual que le sigue al ya clásico Funeral (2004). Insuperables.

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Voz femenina del año: Amy Winehouse y Feist (empate)

Una tiene el alma negra, la otra hace magia blanca. Una, Amy, ha tomado al mundo por asalto con sus escándalos y una inigualable voz soul que hace recordar a alguna Aretha Franklin que nunca existió en los sesenta. La otra, Leslie Feist , canadiense para variar, no solo interpreta la canción del comercial de Lacoste; es nada más y nada menos que la mejor y más moderna heredera de Joni Mitchell. Una toma agua de fuego para calentar y la otra bebe del rocío en algún sagrado bosque elfo (asu). Es un empate, no sé si justo, pero no podía decidirme ante tanta maravilla.

Videoclip de Rehab

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Voz masculina del año: Bruce Springsteen

En estos días el señor Bruce Sprigsteen seguirá dando conciertos multitudinarios, de esos que acostumbra, que duran horas de horas. Es que en estos momentos 'The Boss' es tan importante como en 1975, cuando saltó a la popularidad mundial con Born To Run, o como en 1984, cuando con su Born In The U.S.A. desplazó fácil al Thriller del delicadito Michael Jackson. Y es que Bruce nació para mandar y Magic, el disco que sacó hace unos meses, es otra obra maestra contemporánea, que suena moderna gracias a Brendan O'Brien (el productor del año) y que nos prueba que la voz y la pluma del jefe están intactas a sus 58 años.

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Dúo del año: Robert Plant y Alison Krauss (por Raising Sand)

Qué cosa tan rara. Robert Plant, el agudo cantante de Led Zeppelin y Alison Krauss, la nueva princesa del Bluegrass se juntaron este año y editaron un disco buenísimo, básico y simple, lleno de ritmo, banjos, guitarras contagiosas y que por momentos saca magistralmente el silencio del baúl. Raising Sand salió en octubre como un grupo de versiones de canciones de, entre otros, el gran Tom Waits y el mismo Plant, que canta aprovechando al máximo esa susurrante y melodiosa voz que le han dado los años. Puedo decir, sin temor a equivocarme, que es lo mejor del rubio en solitario (hablamos de 26 años de carrera). ¿Y Alison? Un prodigio. Uau!

Videoclip de Gone, Gone, Gone (Done Moved On)

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Disco en español: Andrés Calamaro – La Lengua Popular

Lo dudé al principio, pero en el fondo sabía que cuando Calamaro se dejara de copiar a los demás regresaría a lo suyo y sacaría otro discazo. Claro que La Lengua Popular no es Alta Suciedad ni pretende serlo. Es otra cosa; es un álbum más básico, más directo y divertido. Un crítico que no sabe de música diría "más honesto". Todo el disco posee una inocencia deliciosa, un ritmo contagioso y melodías destinadas a ser cantadas con la lengua hasta el cuello en todos los estadios del fútbol argentino. Bienvenido de vuelta, che gordo, hacedor de clásicos populares.

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EP del año: Yeah Yeah Yeahs - Is Is

Como en promedio duran 20 minutos, las canciones que componen un EP deben ser lo suficientemente buenas y directas para formar un cuerpo compacto y coherente; ello con el objetivo de cautivar al oyente en la primera oportunidad. Dicho esto, Is Is, el trabajo que los Yeah Yeah Yeahs nos quisieron regalar este año, está camino a convertirse en material de culto. Recomiendo entrar a la página que el grupo tiene en YouTube y observar los videos de las cinco canciones, que tienen la fuerza de un pura sangre. Experimentarás un cuarto de hora difícil de superar.

Rockets to Swallow

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Reedición del año: Led Zeppelin - The Soundtrack From The Film Song Remains The Same

El 20 de octubre de 1976, Led Zeppelin estrenó su película The Song Remains the Same y dos días después sacó la banda de sonido de dicho film, un disco doble que durante más de veinte años fue el único registro en vivo, oficial, del grupo. Este año, el clásico show de julio de 1973 en el Madison Square Garden se reeditó y pasó previamente por las manos de Kevin Shirley (el ingeniero responsable del brutal How The West Was Won). El resultado: insuperable. Se escucha con precisión cada toque de baqueta de Bonham, cada respiro de Plant. Además, en un esfuerzo por darle al oyente la oportunidad de vivir el concierto en su totalidad, se han incluido seis canciones más (entre otras, una memorable Since I’ve Been Loving You, abajo en video).

Since I’ve Been Loving You

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Regreso del año: Led Zeppelin

No es casualidad que la magnifica reedición que acabamos de comentar y Mothership (¡quinto compilado de la banda!) estuvieran en los escaparates pocos días antes del reencuentro de Led Zeppelin. Aquellos que hemos visto todos los videos en YouTube y escuchado los audios piratas que se propagan por Internet del concierto del 10 de diciembre en el 02 Arena de Londres, no tenemos dudas: regresó el mejor grupo del mundo. Punto.
Jason, el hijo de John Bonham, suplió bien a su padre (que será siempre el mejor baterista de rock que ha pisado el planeta) y el resto volvió a encontrar la magia y fuerza del grupo que hizo temblar al mundo a lo largo de una década.

Observa los videos de la reunión de Led Zeppelin en Ayer... 27 años después.

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Concierto del año en el Perú: Roger Waters y Björk (empate)

Qué difícil. En un solo año cumplí el sueño de ver a Björk en vivo y observé un espectáculo cuyo calificativo "de primer nivel" le queda chico. No puedo decidir, arrugo. Al concierto que dio Roger Waters (compositor, bajo y voz de esa leyenda llamada Pink Floyd) en la explanada del Estadio Monumental, no le faltó nada; le sobraron miradas incrédulas ante una puesta en escena que parecía una alucinación. Pero la sola presencia de Björk en un escenario austero nos dejó bobalicones durante hora y media. Que en el 2008 continúen las sorpresas. ¡Feliz año nuevo!

Crónica del concierto de Björk

Parte de Shine On You Crazy Diamond

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LOS 7 MEJORES DISCOS DEL 2007: SÉPTIMO LUGAR

The Raveonettes - Lust, Lust, Lust

Corazón delator: domingo 10 de diciembre del 2007, Estadio Nacional

2007-12-17T15:02:00.000-05:00

NO VUELVAS SIN RAZÓN
La verdad, no estaba muy entusiasmado con todo esto de la reunión de Soda Stereo y su concierto en Lima. "Pero hay que ir" me dijeron un par de veces y esa obligación me entusiasmaba menos. El alboroto me parecía algo exagerado y prefería mantenerme al margen de la euforia. No sé, si hubieran venido en el 97, como parte de la gira "el último concierto", ahí sí; porque venían tocando juntos y porque en esa época sí que escuchaba Soda constantemente. Ahora (hace como ocho años, en realidad) no. Además, sé por buenas fuentes que Gustavo Cerati piensa que Zeta Bosio y Charly Alberti son un par de mediocres y esa arrogancia del líder últimamente me genera mucha antipatía. Y como la música tiene mucho que ver (todo, diría yo) con la simpatía...

Bueno, finalmente me regalaron un par de entradas para "La Cúpula" (el lugar más cercano al escenario), para el concierto del domingo 9, y fui con Romi, mi mujer, que estaba mucho más entusiasmada que yo. Grupos de chibolos de 12 años y señores sub-60 también formaban parte del gentío de las primeras filas. Era claro que para el domingo había muchos invitados y, asumo, no tantos sodamaníacos como la noche anterior.
Así, escéptico y sin pálpitos acelerados, escuché el primer acorde de Juego de Seducción. Luego muté. Como un extraño tic nervioso (como dice la canción), arrojé las palabras que forman la letra de ésta y de todas y cada una de las 28 canciones que tocaron durante la noche.
¡Pero claro! ¿Acaso mi cerebro podía haberlas borrado? ¡Si me sé todas las letras de sus canciones, si he sacado decenas en guitarra, si los escucho desde que tengo cinco años y debo haber colocado sus discos en el reproductor de CD (y sus cassettes en el walkman) miles de miles de veces!

Imágenes Retro

De niño escuché como loco sus tres primeros discos y de adolescente me quedé pegado con Canción Animal (1990) y Dynamo (1992). También recuerdo el extraordinario concierto que dieron en la Universidad de Lima en el 95 (no olvidaré nunca el inicio: tocaron Planta, gran tema de Sueño Stereo).
La música tiene eso, es puro corazón y en este caso el corazón me delató. Estaba totalmente entregado al show, como pocos esa noche.

DANZA ROTA
Cerati no estuvo muy fino con la guitarra, pero se metió al público al bolsillo. Estuvo muy comunicativo en comparación con aquel líder de Soda que apenas lanzaba una frase ambigua entre canción y canción. Alberti muy en lo suyo, tratando de llevar el ritmo a buen puerto a pesar de su limitada versatilidad. Por momentos el bajo de Zeta estuvo muy alto y, extrañamente, se equivocó varias veces (por ejemplo, en Signos entró mal y confundió al baterista, que llevó el inicio a destiempo durante varios compases, y en Disco Eterno no daba con la nota del cuarto acorde, como si fuera la primera vez que tocara la canción). Asimismo, las pistas distraían por momentos (sobre todo cuando se escuchaba la voz de Cerati sin que el flaco moviera los labios) y el sonido del teclado de Tweety González, quién sabe por qué, no estuvo acertado en algunos pasajes.
Pero basta con los defectos. El concierto estuvo buenísimo. La puesta en escena fue de primer nivel y Soda hizo un inteligente repaso por su carrera durante cerca de tres horas. El trío trató de recuperar el sonido original de sus canciones principales y lo logró con el plus que hoy le da la tecnología.
No sé cuáles fueron las mejores del concierto, pero las que más disfruté (como marrano, debo decir) fueron las canciones del inicio, luego Final Caja Negra, Corazón Delator, Danza Rota y el extenso final que, a mi entender, comenzó con Fue, En Remolinos, Primavera 0 (todas del Dynamo), No Existes (excelente recuerdo del Signos, 1986) y cuatro del Canción Animal. Al final del concierto me quedó claro que Prófugos es una canción pop perfecta, con un coro arrollador. Arrebatadora.

Prófugos

Para la anécdota quedaron los 10 minutos de silencio luego del colapso de los parlantes en Texturas y el final de Here Comes de Sun en Cae el Sol que pocos identificamos.

NO SON COMPLICES LOS DOS
El concierto también me dejó algunas conclusiones sobre el público nacional. Para los peruanos, en general, Soda Stereo son los Beatles. Es la verdad pura y dura. No existe ningún grupo o intérprete de pop/rock (mucho menos de habla inglesa) que pueda competir en popularidad con los argentinos. Ni los Rolling Stones, ni Madonna, ni Charly García, ni Shakira, ni Alejandro Sanz. Esto ocurre, en parte, porque el Perú es el país ochentero por excelencia (¿cuántas veces al día pasan Persiana Americana en la radio? ¿Veinte? Por lo menos).
Sin embargo, el paso de Soda por Lima confirma que el Perú no es un país rockero. Está claro, el grupo de rock más popular en la historia de nuestro país no puede llenar dos estadios limeños, mientras que en Argentina Soda hace cinco River sin mucho esfuerzo.
Ya en el concierto constaté, además y para colmo, que muchísima gente no conocía a Soda del todo. Es más, podría afirmar que Persiana Americana, Cuando Pase el Temblor, Prófugos, En la Ciudad de la Furia, De Música Ligera, Zoom, Nada Personal y Te Hacen Falta Vitaminas, fueron las únicas canciones que conocían el 100% de los asistentes al segundo concierto en el Estadio Nacional (algunos ni siquiera conocían Signos o Sobredosis de TV). ¡Hablamos de ocho de las 28 que tocaron! Es decir, mucha gente pasó más de las dos terceras partes del concierto algo aburrida (eso lo verifiqué visualmente).

En el Perú mucha gente no está acostumbrada a vibrar con lo que no conocemos ni escuchamos en la radio. Somos un público poco receptivo, cerrado y engreído. Cuando tocaron seguidas tres del Dynamo, la gente aprovechó para ir al baño, conversar o mostrar cara de desagrado por lo que estaban escuchando. Claro, el comentario general luego del concierto fue el siguiente: "Estuvo increíble (lo políticamente correcto), las luces bravazas (por supuesto), pero no tocaron Trátame Suavemente ni Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revolver". ¿Será casualidad que sean las dos que obviaron del último compilado Me Verás Volver? Por supuesto que no.
Yo, por otro lado, acabé ronco de tanto cantar, con los pies hechos mierda y disfrutando de una tranquila satisfacción.

SET LIST:
1. Juego de Seducción
2. Tele-K
3. Imágenes Retro
4. Texturas
5. Hombre al Agua
6. En la Ciudad de la Furia
7. Picnic en el 4to B
8. Zoom
9. Cuando Pase el Temblor
10. Final Caja Negra
11. Corazón Delator
12. Signos
13. Sobredosis de TV
14. Danza Rota
15. Persiana Americana
16. Fue
17. En Remolinos
18. Primavera 0
19. No Existes
20. Sueles Dejarme Solo
21. (En) El Séptimo Día
22. Un Millón de Años Luz
23. De Música Ligera
BISES 1
24. Disco Eterno
25. Cae el Sol
26. Prófugos
BISES 2
27. Nada Personal
28. Vitaminas

Lee algo más divertido sobre el concierto de Soda Stereo en emepitri

Ayer… 27 años después

2007-12-11T13:07:00.001-05:00

Led Zeppelin en el O2 Arena, Londres, lunes 10 de diciembre del 2007. Dos horas, 16 canciones, el corazón al rojo vivo.
Esta vez no hacen falta las palabras…

BBC news

SET LIST
1. Good Times Bad Times (la primera canción de Zeppelin y, sorpresivamente, inédita en vivo)

2. Ramble On
3. Black Dog

4. In My Time Of Dying
5. For Your Live (de Presence, inédita en vivo)
6. Trampled Underfoot

7. Nobody’s Fault But Mine
8. No Quarter
9. Since I’ve Been Loving You

10. Dazed And Confused
11. Stairway To Heaven

12. The Song Remains The Same
13. Misty Mountain Hop
14. Kashmir

BISES
15. Whole Lotta Love
16. Rock And Roll

En este instante…

2007-12-10T15:35:00.000-05:00

En este instante Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones deben estar subiendo al escenario del O2 Arena en Londres (para mí, hoy, la ciudad más lejana del mundo). Obviamente no gané (como 20 millones de personas más) el sorteo de entradas para el increíble retorno de Led Zeppelin (del que comenté en Balota al cielo), y, claro, si hubiera ganado estaría a punto del suicidio porque no tengo los medios necesarios para ir a Inglaterra y ver a mi grupo favorito de todos los tiempos.

Aquí, a la distancia, es la tarde de cualquier 10 de diciembre. A orillas del Támesis 20 mil sujetos deliran ansiosos mientras la noche cae vibrante y llena de colores. Yo me conformo con reírme del e-mail que me acaba de llegar: la fundación Ahmet Ertegun (que organiza este regreso) me invita a comprar polos del concierto… fuiiira mier… Pero también me conformo con una convicción: el próximo año Zeppelin hará una gira mundial, pasará por Sudamérica y en ese momento estaré preparado, los iré a ver (a Río, Santiago o Buenos Aires), y así podré morirme tranquilo.

Baile bomba: The Hives – “The Black and White Album”

2007-12-03T19:02:00.000-05:00

Una sola palabra: adictivo. Para este nuevo post había planificado escribir la reseña de Magic, el nuevo disco de Bruce Sprigsteen. Estaba avanzando muy motivado por el tremendo trabajo que 'The Boss' viene realizando en el nuevo milenio, cuando cometí un error mortal: compré el recién salido The Black and White Album de The Hives. Ahora no puedo parar, lo escucho una y otra vez, en la combi, en el baño, bailo en mi cuarto, muevo la cabeza como un zombi en la chamba; he caído noqueado ante el nuevo puñetazo de estos suecos… y sigo, fiel al golpe.

Todavía aturdido puedo decir que el cuarto disco de estudio de The Hives en diez años es el mejor de su carrera. Howlin' Pelle Almqvist, el inquieto cantante de la banda (que en el escenario es una chillona combinación de Mick Jagger e Iggy Pop), esta vez muestra sus mejores registros vocales y va del grave al agudo con mayor naturalidad y solvencia que en grabaciones pasadas (It Won’t Be Long y el final Bigger Hole To Fill son prueba de ello). El resto, el fantástico Chris Dangerous (batería), Dr. Matt Destruction (bajo) y los guitarristas Vigilante Carlstroem y Nicholaus Arson; componen una base musical potente y difícil de igualar en estos días.

Continúa el fascinante rock acelerado de riffs afilados que siempre caracterizó al grupo, sin embargo, lo más sorprendente y contagioso de The Black and White Album es su versatilidad rítmica y melódica, lo que no se pudo escuchar del todo en los discos anteriores. Salvo por un par de tracks, Veni Vidi Vicious (segundo larga duración de la banda, 2000) era un fogonazo continuo, mientras que con el excelente Tyrannosaurus Hives (2004) el grupo exploró nuevos sonidos pero sin arriesgarse del todo.

Ahora que cambiaron de traje (negro por blanco) los suecos se atreven a tocar funk en la altanera T.H.E.H.I.V.E.S. (que incluso es algo ‘disco’, a lo Earth, Wind & Fire), algo de punk a lo Ramones (Return The Favour), una misteriosa cantata en piano (Puppet On A String, que bien podría formar parte del repertorio de Tom Waits), o inclusive una simple melodía instrumental con órgano y una caja de ritmos (la sorpresiva A Stroll Through Hive Manor Corridors). Ahora usan mucho más el sintetizador y el resultado mejora el timbre general de la banda, con holgura.

Claro que en el resultado tienen que ver, y mucho, los productores que han trabajado en The Black and White Album (La calidad del sonido también supera a los discos anteriores). Pharrell Williams, el famoso cantante de rap (N*E*R*D) y productor ganador del Grammy, trabajó en varias de las canciones del disco. Se puede apreciar su ‘mano’ en la irresistiblemente bailable Well Allright! (Howlin’ aúlla “Everyone's a loser in the modern world”) y la mencionada T.H.E.H.I.V.E.S. Otro ganador de la academia de la música, Jacknife Lee (que hizo Vertigo de U2 y ahora produce del próximo disco de R.E.M.), es el responsable de Hey Little World. El resultado es de primera.

Video de Tick Tick Boom

¿Lo mejor del disco? El inicio. Si no te mueves con Tick Tick Boom (en mi opinión, candidata a canción del año), Try It Again y su coro femenino (que grita el pegajoso estribillo “Up from the floor on the count of ten, oh you get up, you get down and you try it again”), y You Got It All... Wrong, simplemente no tienes músculos en el cuerpo.
Que continúe el baile desenfrenado.

Lista de canciones:

1. Tick Tick Boom

2. Try It Again

3. You Got It All... Wrong

4. Well All Right!

5. Hey Little World

6. A Stroll Through Hive Manor Corridors

7. Won't Be Long

8. T.H.E.H.I.V.E.S.

9. Return the Favour

10. Giddy Up!

11. Square One Here I Come

12. You Dress Up for Armageddon

13. Puppet on a String

14. Bigger Hole to Fill

Recuerdos de una noche inolvidable: martes 13 de noviembre del 2007, Vértice del Museo de la Nación

2007-11-14T14:47:00.000-05:00

Ayer se hizo realidad uno de mis sueños. Björk Guðmundsdóttir pisó el escenario del Vértice del Museo de la Nación a las 9:10 p.m. del martes. Una semana antes de que la cantante cumpla 42 años, 4 mil personas recibimos el regalo de nuestras vidas: una artista entregada en voz, cuerpo y alma.

Nos sorprendió desde el inicio, sobre todo a aquellos que buscamos los últimos set list que la islandesa había desarrollado en Santiago (el sábado 10 en el estadio San Carlos de Apoquindo) y en Buenos Aires (4 y 7 de noviembre en el Gran Rex). En Lima, Björk entró con todo: dejó The Anchor Song para el final y arrancó, potente, con la marcha de Earth Intruders y luego Hunter (la primera de las 6 que toco del Homogenic, 1997).

Las diez gringas encargadas de los vientos (Björk las bautizó como las “Wonder-brass”) la rompieron desde el inicio. El público ya estaba entregado y algo ronco para la tercera de la noche, la bella Cocoon (única canción del Vespertine, 2001, que incluyó en el concierto), en la que se pudo apreciar el encomiable trabajo sonoro de los otros tres músicos en escena (y, claro, el de sus Mac).

Con Pleasure Is All Mine empezó una parte del recital que Björk dedicó para interpretar, con variaciones, un grupo de canciones correspondientes al experimental Medúlla (2004). Una emotiva Joga también se coreó durante estos momentos.

Después de que Army Of Me (primera de las 3 que tocó del Post, 1995) moviera las cabezas de todo el recinto, y de Innocence (de las mejores de Volta, 2007), Björk, que hasta el momento solo se había dirigido al público con algunos “gracias”, increpó a los muchos que, sin respetar las advertencias que se hicieron antes del concierto, acribillaban con fotos a la diosa islandesa. “¡I don’t wanna see cameras, I wanna see your faces!”. A partir de ese momento, las pantallas luminosas desaparecieron.

Björk encantaba con su inigualable voz a un gentío que la miraba absorto. Frente plateada, malla de largarto y túnica multicolor; la cantante, entre canciones, se inclinaba, tomaba de un vaso e ingería algo usando una cuchara. Bailaba como una niña introvertida pero pendeja, a veces abría la boca como un tigre y soltaba un tono imposible, saltaba y movía las manos como abanicos, iba de un lado a otro y los espectadores levantaban los brazos para intentar el milagro de tocarla o simplemente para intercambiar una mirada repentina.

Bachelorette fue monumental, I Miss You armó el tono. El vértice de la cultura se llenó de saltos con Hyper-Ballad (lo mejor de la noche) y el vibrante estruendo electro-punk de Pluto. Luego, los artistas volvieron a los camerinos y el público coreó algunos minutos “chiiina, chiiina” y un poco ortodoxo “olé, olé olé olé, Bi-ork, Bi-ork”.

La islandesa apareció con algunos gestos extraños en la nariz y, como seguramente se le había resecado la boca, se lamía los labios como un gato después de tomar su leche. Todo el vértice cantó The Anchor Song.

La fiesta terminó arriba, en las estrellas. Con el grito de “Que viva la revolución”, Björk y las Wonder-brass se despidieron, luego de hora y media, con una inolvidable interpretación de Declare Independence, el devastador corte de Volta, mientras el papel picado volaba entre miles de saltos y los gritos de "raise your flag! Higher, higher!"

Gracias Björk por una noche inolvidable.

Set list:
1. Earth Intruders
2. Hunter
3. Cocoon
4. Pleasure Is All Mine
5. Joga
6. Who Is It
7. Desired Constellation
8. Army Of Me
9. Innocence
10. Bachelorette
11. I Miss You
12. 5 Years
13. Unravel
14. Wanderlust
15. Hyper-Ballad
16. Pluto
17. The Anchor Song
18. Declare Independence

Introducción

Earth Intruders

Parte de Hunter

Final de Declare Independence

Fotos y videos: Julio Pérez Luna y Diana Zapata

Lee también: La visita del año (PRIMICIA NACIONAL) y Bjork en Lima (emepitri).

Esperado regreso: The Raveonettes – "Lust, Lust, Lust"

2007-11-12T19:40:00.000-05:00

En el último texto que publiqué en RAN-KING, Los mejores discos año por año (2000-2006), califiqué al Pretty In Black de los Raveonettes como el mejor disco del 2005 y no pude ocultar la gran expectativa que sentía por la aparición del nuevo material de esta fantástica banda danesa. Bueno pues, poco después de escribir el mencionado post busqué un poco por la Internet y me di con la sorpresa de que el grupo preparaba nuevo material para fin de año. Ahora me alegra anunciar que la espera terminó hoy. Sí, hoy, 12 de noviembre del 2007, se editó en Europa Lust, Lust, Lust, el tercer disco del grupo de Sune Rose Wagner y Sharin Foo.

Como la banda acaba de firmar con Vice Records para la edición norteamericana del álbum, y, por lo tanto, recién podré adquirir este nuevo material vía Amazon (probablemente) en marzo, busqué nuevamente en la red y encontré un blog muy recomendable y mejicano (rincondelmike.blogspot.com) en el que pude bajarme, antes de su publicación tangible, la reproducción en mp3 de las 12 canciones que forman este lujurioso (por tres) producto sonoro. Maravillas de la era digital que le dicen.

De Dinamarca con amor

Siempre he pensado que para apreciar, opinar y, en este caso, escribir sobre un álbum, primero uno debe escucharlo durante una buena cantidad de tiempo. Al ser la música un fenómeno estrechamente ligado al tiempo, es, como éste, cambiante y su interpretación se fortalece con el recuerdo.
Hace un par de días que vengo escuchando, como loco, esta nueva joya del dúo danés, sin embargo, ante la necesidad de publicar una noticia importante en este blog venido a menos, he de arriesgar algunos pocos y apresurados comentarios sobre el disco.
El sonido nos remite, sorpresivamente, al primer disco de los Raveonettes, Chain Gang Of Love (antes la banda sacó un sensacional EP, Whip It On), sin embargo las melodías están más ligadas a la placa anterior, Pretty In Black. Ahora más que nunca, la desolación y el baile se complementan de forma mágica.

El disco empieza con Aly, Walk With Me; un riff, que suena a lo más oscuro de Depeche Mode, acompaña la misteriosa voz con eco. Finalmente la canción se descarrila en una puntiaguda ola de distorsión. Sin duda un poderoso inicio (más fuerte que los comienzos de los dos discos anteriores), que se amalgama a la perfección con lo que sigue: la expectante Hallucinatios y Lust, canción que parece arrancada de la ya mencionada Aly…
El gancho pop esta vez le pertenece a Dead Sound, fabuloso cuarto track que seguramente será el primer single (sin embargo, auguro que no sonará más que That Great Love Sound o Love in a Trashcan). Luego sigue Blush, tal vez el mejor momento de Lust, Lust, Lust. De ahí en adelante toda la emoción se va para arriba.

You Want The Candy en vivo

En general, las guitarras del disco pasan a través de las texturas sonoras a lo Sonic Youth y My Bloody Valentine, mientras las canciones son más nuevaoleras que nunca, sobre todo en la super bailable You Want The Candy (no me la puedo sacar de la cabeza) y With My Eyes Closed. Los ritmos tienen el alma del rock and roll de Buddy Holly, del surf rock de The Ventures (Blitzed) y de las baladas de The Ronettes (Sad Transmission).
Lust, Lust, Lust, cuyo título habría que interpretarlo como una sobreexcitación divertida y tierna a la vez, es el disco en el que más destaca la voz de la rock star más blanquiñosa del planeta, Sharin Foo. La sobria instrumentación del álbum acompaña de manera perfecta los pasajes del disco. Incluso, por momentos a uno le provoca contemplar el silencio entre los sonidos. La monumental y melancólica The Beat Dies, es el mejor final para uno de los mejores discos del año.
Sin duda, un paso adelante de una de las grandes bandas de la década.

Lista de canciones:
1. Aly, Walk With Me
2. Hallucinations
3. Lust
4. Dead Sound
5. Black Satin
6. Blush
7. Expelled From Love
8. You Want The Candy
9. Blitzed
10. Sad Transmisson
11. With My Eyes Closed
12. The Beat Dies

Los mejores discos año por año (2000-2006)

2007-10-10T10:22:00.001-05:00

Soy amante de la música desde muy niño. Me dice mi madre que la primera vez que escuché Rock And Roll de Led Zeppelin me eché a llorar porque mi hermano la había puesto a todo volumen, pero aproximadamente a los 10 años empecé a formar mi colección de ‘casets’ e, ironías de la vida, el primer Cd que me compraron fue el Led Zeppelín IV.

Ahora soy músico, mi colección ha crecido mucho y con el paso de los años he escuchado de todo (pero, claro, no todo): discos asombrosos, maravillas experimentales y verdaderas revoluciones sonoras. La música es lo que más me gusta y, por lo tanto, discriminar en estos asuntos no me parece productivo y opinar que un disco o grupo (o libro o foto o lo que sea) es una mierda, me parece injusto y contraproducente. Todo el mundo hace su trabajo con esfuerzo y como mejor le parece. Lo que sí me parece positivo es escribir sobre lo que me agrada, y eso es bastante: desde la A, de Abuelos de la Nada, AC/DC, Louis Armstrong y Joe Arroyo; hasta la Z, de Zappa, The Zombies y ZZ Top.

Ya que, mal que bien, he vuelto a agarrarle la onda a este blog, voy a hacer algo que siempre he querido: elegir el disco del año. Sin embargo, todavía no es el momento, falta para que acabe el 2007. Hace más de 12 meses que existe RAN-KING, pero no elegí el mejor disco del 2006 debido a la amarillenta dejadez. Por eso, y porque toda mi vida ha sido una constante lucha contra la flojera, lo que quiero a estas alturas es elegir, año por año, los mejores discos de los últimos tiempos, del 2000 en adelante (más o menos desde que, según mis metas personales, debí empezar a escribir sobre música). Empecemos...

2000 – Kid A (Radiohead)

Tienen todo el derecho de decir: qué aburrido este pata, elige al obvio, al que ganó el Grammy, etc. Bueno, busqué bastante y no encontré un mejor disco que éste durante el 2000. Un álbum que se hizo popular básicamente porque en ese momento, y luego de sacar dos discos que cambiaron la historia de la música contemporánea, Radiohead era el grupo más importante del planeta. Mientras Coldplay, una de las bandas que se creó luego de escuchar The Bends (1995), emulaba el lado más pop de Tom Yorke y compañía con el lanzamiento de Parachutes, Radiohead exploraba el límite de su lado más oscuro y ‘freak’. Kid A es un disco, por decir lo menos, complejo y difícil de tragar, que, a mi entender, tiene el alma de obras experimentales como Islands de King Crimson. Pero Crimson nunca formó parte del 'mainstream' y Radiohead en el 2000 hizo mundialmente popular la parálisis facial, los tonos menores y la siniestra desolación computarizada. Dentro de lo mejor del año también estuvo el Veni Vidi Vicious de los suecos The Hives, disco que llegaría a esta parte del globo dos años después.

2001 – Is This It (The Strokes)

Otro obvio pero que gana por goleada. Gracias a este disco ahora tenemos a los Artic Monkeys y, al menos para mí, eso basta y sobra. Aunque probablemente la voz de Julian Casablancas no haya sido tan imitada como la de Eddie Vedder, el aporte creativo e importancia generacional de The Strokes en Is This It le saca varios cuerpos al de Ten de Pearl Jam. El jugueteo instrumental de la banda (bajo, guitarra y batería) es la cama en la que yace el fragor de la fiesta más feliz y la melancolía más hinchada. The Strokes en el 2001 fue The Velvet Underground con las canciones más pedidas en las discotecas del mundo entero. No se componían canciones como Last Nite, Someday y Hard To Explain desde finales de los setenta, y hasta antes de Is This It, parecía que nadie podría volver a escribir así de nuevo. Durante ese año también me fascinaron Vespertine de Björk y White Blood Cells de The White Stripes. Por estos lados del planeta destaco el Jessico de Babasónicos.

2002 – Turn On The Bright Lights (Interpol)

Para el 2002 no la tengo tan clara. Durante ese año salieron al mercado discos excelentes como los dos que sacó Tom Waits (Alice y Blood Money), Sea Change de Beck, Yoshimi Battles The Pink Robots de The Flaming Lips, y el muy buen debut de The Coral. Sin embargo creo que elegí este disco de Interpol porque tiene, más que los otros, la característica que debe que tener todo gran álbum de rock and roll: potencia. Interpol es otra de esas bandas que le debe la vida a Radiohead, pero posee aquello que le falta a Coldplay (sí, de nuevo): fuerza interpretativa grupal, un cantante de una voz que impresiona, canciones redondas; es decir, rojo brillante en lugar de amarillo suave. En suma Interpol está más cerca del Joy Division de los finales de los setenta, mientras que Coldplay del U2 de los finales de los noventa. Say Hello To The Angels, NYC, Obstacle 1 y ocho canciones más para escuchar a todo volumen.

2003 – Elephant (The White Stripes)

Pocos discos en la historia pueden superar a Elephant, y gracias a él The White Stripes, pienso, es el grupo de la década. Canciones como Seven Nation Army, Black Math, The Hardest Button To Button (y casi todas las demás, en realidad), colocan a Elephant dentro de los grandes discos del mal llamado ‘rock pesado’: Paranoid de Black Sabbath, el ya mencionado cuarto álbum de Led Zeppelin, el Machine Head de Deep Purple, etc. Un clásico total hecho por un eximio guitarrista que tiene tanto de Jimmy Page como de Robert Johnson. Elephant, además es lo mejor de un gran año, musicalmente muy especial para mí porque en el 2003 también se editaron el genial Give Up de Postal Service, el gran debut de Kings of Leon, Fever To Tell de los Yeah Yeah Yeahs, Chain Gang Of Love de Raveonettes, Keep On Your Mean Side de The Kills, entre otros buenísimos discos de bandas nuevas.

2004 – Funeral (Arcade Fire)

Yo, fanático del Pet Sounds de los Beach Boys, esperaba casi con desesperación la edición definitiva de Smile, aquel proyecto que se frustró en 1967 y que Brian Wilson estaba preparando para el 2004. Prometía, decían los críticos, ser el mejor álbum de la historia de la música, por lo que, cuando salió, obviamente no superó mis tremendas expectativas. Para muchos la obra del genio creativo de los chicos de la playa fue el disco del año, pero yo no estaba muy seguro. Otro dinosaurio, Jimmy Page, había editado How The West Was Won, un contundente disco triple en vivo con dos actuaciones de Led Zeppelin de 1972. Sin embargo, creo que lo mejor del 2004 fue la aparición de un nuevo super grupo: Arcade Fire. El debut de los (en su mayoría) canadienses, liderados por el gringo Win Butler es lo más original y excitante que se ha podido escuchar en años, a pesar de que Funeral es un disco cuyo tema, obviamente, es la muerte. Luego de debutar, los Arcade Fire se conviertieron en la banda favorita de muchas leyendas como David Bowie y Bono. Incluso Chris Martin (Sí, Coldplay de nuevo) ha dicho que los Arcade son el mejor grupo de todos los tiempos. Voy adelantando que Neon Bible, el segundo disco de la banda que ha salido este año, es, desde mi punto de vista, superior a Funeral.

2005 – Pretty In Black (The Raveonettes)

A este sí que nadie lo eligió como el disco del año ni en su natal Dinamarca. Pero un disco en el que figuran como invitadas Ronnie Spector (la inigualable voz de The Ronettes) y Moe Tucker (baterista de The Velvet Underground) tiene que ser, por lo menos, emocionante. Bueno pues, Pretty In Black es genial. The Raveonettes, un dúo formado por el musicólogo Sune Rose Wagner y la bella (y muy rubia) cantante Sharin Foo, trajeron los setenta de vuelta y en su mejor forma. Roy Orbison, las Ronettes, The Temptations, The Velvet Underground, Smokey Robinson, The Kinks, The Drifters, todo está, nuevo y contemporáneo, en Pretty In Black, el ultimo disco de la agrupación hasta la fecha (estamos a la espera del próximo). Son doce increíbles canciones originales que también tienen de My Bloody Valentine y Jesus And Mary Chain, y una versión de My Boyfriend’s Back. Redondo e hipnótico.

2006 – Orphans (Tom Waits)

En otro año de buenos discos, el álbum triple de Waits es un horrendo y gigantesco animal subterráneo que le saca la mierda a toditos. Le saca la mierda al perfecto regreso de Bob Dylan (Modern Times), a los nuevos discos de Sonic Youth (Rather Ripped) y los Yeah Yeah Yeahs (Show Your Bones), y, por peso, al brillante debut de los Arctic Monkeys (Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not). Jamás he escuchado nada como Orphans, tres discos que te dejan sin habla por tres razones: belleza, fuerza y pánico. En el primero, titulado Brawlers, el genio de Waits nos lleva a la inteligencia de sus letras, a la astucia del rock and roll del neolítico, al blues que sólo se puede conseguir cavando en una mina, al ritmo que se obtiene remando como esclavo en un barco romano, a notas que parecen salir de la garganta de un ser antropomorfo y cojo. En el segundo, Bawlers, podemos escuchar las melodías más bellas del mundo agrupadas como si se tratara de una antología de la historia de la música, desde los principios del tiempo. Bastards, el tercer disco, es lo más parecido a Frankenstein que un grupo de sonidos puede ser. Aquí, el miedo y la sorpresa se juntan como sólo sucede en las películas. Verdaderamente increíble.

Hasta diciembre.

BALOTA AL CIELO: Led Zeppelin, noviembre 2007

2007-09-14T17:14:00.000-05:00

De hecho, debo haber ganado algunas cosas. Cuando pienso en cómo me va, siento que, en general, he tenido suerte: estoy con la mujer que amo y tengo un trabajo, más bueno que malo, en el mejor diario del país, gracias a una entrevista que me hicieron hace tres años (y en la que, definitivamente, me pudo haber ido mal). También hago lo que me gusta más en el mundo: música, y en un grupo increíble (además nos va bien).

http://www.ledzeppelin.com/

Hasta ahora he tenido suerte, sin embargo, en los juegos de azar, no recuerdo haber ganado algo importante. En el Ganagol he obtenido un par de veces los aciertos necesarios para reclamar 7 soles de premio y, creo que, cuando era muy niño gané un chancho muerto en una rifa, que sirvió en mi casa para los desayunos, almuerzos y cenas de unos cuantos días.

Hago este repaso con el único fin de descubrir si soy, en esencia, un lechero, pues ahora más que nunca necesito esa suerte que no sé si tengo. Una balota (una bolilla, para no ser huachafo) determinará si seré uno de los 15 mil afortunados que conseguirá un ticket para la esperada reunión de Led Zeppelin que, a estas alturas, ya está confirmada. Jimmy Page (63 años), Robert Plant (59) y John Paul Jones (61) se juntaron hace pocos días y quedaron en realizar una sola presentación con el hijo del fallecido John Bonham, Jason, en la batería.

Ante la gran demanda por las entradas, los organizadores del concierto (que se llevará a cabo el 26 de noviembre en la espectacular carpa O2 de Londres), han determinado que se haga un sorteo, mismo Copa América o Mundial de fútbol, en el que se elegirán al azar a aquellos seres humanos que podrán comprar los boletos. Obviamente, esta vez no habrá alguien como la hija de Teófilo Salinas para que saque la bolilla de mi alegría.

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Ya me suscribí al asunto, pero, claro, no sólo voy a necesitar suerte, je. Cada boleto cuesta 180 euros, unos 200 cocachos. A esto hay que sumarle el costo del pasaje en avión que, para la fecha, está un promedio de 2.300 dólares (sin impuestos de ida y vuelta). Pero eso no es todo. Si fuera un chileno con plata podría entrar y salir del Reino Unido cuantas veces quisiera, pero como soy un peruano misio debo conseguir visa. Al tiempo del trámite hay que aumentarle unos 410 solsitos más. En suma, y sin contar comida, transporte y alojamiento (en el supuesto de que ya estuviera en Inglaterra, jajaja), el costo total sería como 3 mil dólares.

LA MISMA CANCIÓN, PERO DISTINTA

Mientras escribo esto me voy desanimando cada vez más (cuando estaba escribiendo los primeros párrafos no había reparado en la plata). Pero bueno, sigamos pa’lante. El motivo del concierto (dicen oficialmente) no es otro que ayudar a la fundación Ahmet Ertegun para la educación (todo el dinero de las entradas para este concierto, en el que también estarán Bill Wyman y Pete Townsend, se destinará a dicha fundación). Ertegun fue fundador de Atlantic Records, la famosa compañía que, entre otras cosas, firmó a Led Zeppelin en 1968. Murió el año pasado (tenía 83) de forma tragicómica (resbaló durante un concierto de los Rolling Stones y se golpeó la cabeza).

Sin embargo, qué casualidad, 13 días antes del show, Page y compañía sacarán un nuevo disco recopilatorio. Si tenemos en cuenta que ya existen en el mercado tres discos de “grandes éxitos” de Zeppelin, Remasters (1990), Early Days (1999) y Latter Days (2000) (sin contar dos box set); el lanzamiento de Mothership (que así se llama el CD doble), definitivamente está relacionado más con el billete que con la música. La lista de canciones no es muy imaginativa, es prácticamente la misma de los recopilatorios anteriores. Lo mejor parece que será la carátula (¿muy al estilo de los White Stripes?) . Juzguen ustedes:

Disco 1:

1. Good Times Bad Times

2. Communication Breakdown

3. Dazed And Confused

4. Babe I'm Gonna Leave You

5. Whole Lotta Love

6. Ramble On

7. Heartbreaker

8. Immigrant Song

9. Since I've Been Loving You

10. Rock And Roll

11. Black Dog

12. When The Levee Breaks

13. Stairway To Heaven

Disco 2:

1. Song Remains The Same

2. Over The Hills And Far Away

3. D'Yer Maker

4. No Quarter

5. Trampled Under Foot

6. Houses Of The Holy

7. Kashmir

8. Nobody's Fault But Mine

9. Achilles Last Stand

10. In The Evening

11. All My Love

Pero eso no es todo. Apenas una semana antes del show, Led Zeppelin (Jimmy Page, en realidad), seguirá aumentando su catálogo con la edición de colección The Song Remains The Same, la famosa película de la banda, y la banda sonora de la misma (que en su momento fue el único material en vivo publicado por el grupo). Para mejorar el sonido, Page ha trabajado con Kevin Shirley, el técnico responsable del inmenso How The West Was Won (2003). El encargado de los comentarios o ‘liner notes’ será el caserito, ex reportero de la Rolling Stone y director de cine, Cameron Crowe.

El DVD doble tendrá los clásicos detrás de cámara y cualquier cantidad de material ‘extra’, es decir, ese tipo que cosas que hace babear a los fans (me incluyo). La lista del soundtrack ha sido reordenada, con los nuevos tracks (6 canciones), para que uno pueda disfrutar del concierto de julio de 1973, que Zeppelin dio en el Madison Square Garden, de principio a fin, tal y como se interpretó.

Como buen comprador de piratas de Zeppelin, debo decirles que el material inédito es de lo mejorcito de la historia del grupo en directo. Over The Hills And Far Away se escucha muy fresca en una de sus primeras interpretaciones en vivo (Page hace la intro con la eléctrica), pero lo mejor es el sorprendente enlace entre Misty Mountain Hop y Since I've Been Loving You. Hablamos de momentos inspirados que, luego, la banda no repitió tan seguido.

Aquí la lista de canciones:

Disco 1:

1. Rock And Roll

2. Celebration Day

3. Black Dog (inédita)

4. Over The Hills And Far Away (inédita)

5. Misty Mountain Hop (inédita)

6. Since I've Been Loving You (inédita)

7. No Quarter

8. The Song Remains The Same

9. The Rain Song

10. The Ocean (Inédita)

Disco 2:

1. Dazed And Confused

2. Stairway To Heaven

3. Moby Dick

4. Heartbreaker (inédita)

5. Whole Lotta Love

El destino, y el bolsillo, dirán…

- Lee también Sueño frustrado (5 de octubre del 2006)
- Proximamente: La visita del año (segunda parte)

La visita del año (PRIMICIA NACIONAL)

2007-09-06T11:15:00.000-05:00

Si pensaron que el concierto de Roger Waters era el único candidato al show del año (¿de la década, del siglo, de la historia?) en el Perú, pues se equivocan. El próximo 13 de noviembre BJÖRK pisará el escenario del vértice del Museo de la Nación y a partir de ese momento, nada, nunca más, será igual. No es floro, la información es de primera mano. El mismo promotor que trajo al “genio creativo” de Floyd es el responsable de este suceso. Solo nos queda cruzar los dedos, tener la convicción de que la fecha del recital (martes 13) no constituye un mal augurio, y esperar a que no ocurra nada malo durante los 60 días que faltan para el concierto. ¡Qué felicidad!

Björk presentará su último disco, el fabuloso Volta,

el martes 13 de noviembre en el Vértice de la Cultura.

D'Artagnan

2007-08-20T12:50:00.000-05:00

En 1844 tres mosqueteros protagonizaron una historia de amistad y heroísmo que pronto se convirtió en un clásico de la literatura mundial. Tuvieron que pasar 125 años para que otros tres fulanos de bigotes y pelo largo conmovieran al planeta. Claro, esta vez no blandían mosquetes; empuñaban guitarras. Felizmente no cometieron la huachafería de cambiar sus nombres por los de Athos, Porthos, y Aramis; ellos fueron simplemente Crosby, Stills & Nash. Sin embargo, como en la novela de Dumas, a los tres les faltaba un D’Artagnan, un héroe que, en definitiva, fuera el responsable de las más importantes proezas del grupo. Bueno pues, en 1969 D’Artagnan se llamó Neil Young.

No obstante, eso es pura cultura (musical) general. En realidad sabía poco de Neil Young. Recordaba apenas un par de canciones de Crosby, Stills & Nash (sin Young), y había oído parte de su Unplugged en la casa de un amigo (creo que no me gustó mucho). También sabía que el canadiense era el ídolo de los Pearl Jam y eso, digamos, no me motivaba a buscar sus discos.

Sin embargo, conocía For What It’s Worth, aquel bucólico e intenso himno hippie de los legendarios Buffalo Springfield, grupo que integraban Young y Stephen Stills a mediados de los sesenta. También, una de sus canciones me había acompañado durante un momento muy triste: Long May You Run, que está en un disco de Young con el mencionado Stills, y que suena en uno de los finales más melancólicos de la serie “Los años maravillosos”. Cuando la escucho simplemente me echo a llorar.

Una vez, con el grupo tocamos en vivo Don’t Cry No Tears, canción que abre Zuma, un disco de Young de 1975, y esto provocó que me apurara a conseguir el famoso álbum de 1972, Harvest. Quedé maravillado con la extraña belleza de las melodías de este cantante que, cuando atacaba el micrófono, parecía divagar en la cuerda floja que divide la afinación de la desafinación.

Neil Young, Stephen Stills, DavidCrosby y Graham Nash

Luego, y para terminar esta lenta introducción, descubrí el hit Rockin’ In The Free World en los créditos de Fahrenheit 9/11 de Michael Moore. Como quería tener esta canción y, de paso, conocer el resto de la obra del canadiense, empecé a buscar su última recopilación, que editó en el 2004. Existen pocos ‘Grandes éxitos’ destacables, pero algunos son un valioso primer paso en la historia musical del artista. Por eso, con convicción, fui hasta aquel mágico templo de la cultura llamado Polvos azules y encontré una de esas contundentes ediciones que vienen con material extra. En este caso, un inédito segundo disco completaba el simple Greatest Hits. Para ser honesto, debo decir que es justo este segundo CD (cuya compilación es obra de un respetable pirata) el motivo de este texto.

El CD #1 es una copia fiel del original recopilatorio de Young. Incluye tres canciones del primer álbum con su banda Crazy Horse, Everybody Knows This Is Nowhere (abre con la conmovedora Down By The River), otras tres del clásico After the Gold Rush (1970), los dos éxitos que editó con Crosby, Stills & Nash (las perfectas Helpless y Ohio) y las obligatorias Heart of Gold, Old Man, Like A Hurricane y, claro, el himno anti-Bush, Rockin’ In The Free World.

Verdaderas sorpresas para mí fueron Hey Hey, My My (Into the Black) y Comes a Time. En la primera Young anuncia que el rock and roll “can never die” (“no puede morir jamás”), y no te queda otra que creerle pues lo acompaña una de las guitarras más potentes, crudas y saturadas de la historia de la grabación sonora. La segunda es todo lo contrario. La voz femenina y el violín de Comes a Time parecen escaparse de uno de los mejores momentos del Desire de Bob Dylan. Una delicada joya.

Neil Young Greatest Hits (2004)

Sin embargo, como ya anuncié, es el inédito disco dos el que alberga mis canciones (y sorpresas) favoritas. Tell Me Why y Walk On (inicios de After the Gold Rush y On The Beach, respectivamente) destacan por su interpretación. Lotta Love (que forma parte del disco Comes a Time de 1978) tiene el cuerpo y el alma de aquellas baladas pop de finales de los setenta que muchos no soportan pero que a mí me encantan. Del mismo álbum de 1978 figura Four Strong Winds, clásica canción del famoso compositor canadiense Ian Tyson, que Young canta con la joven y bella promesa del folk americano Nicolette Larson (que un año después logró más popularidad con una versión de la mencionada Lotta Love).

No obstante, el pirata guardó lo mejor para el final: los casi 9 minutos de Ambulance Blues. Si hacemos una analogía con Dylan, ‘Ambulance’ es una melancólica mezcla de Desolation Row y Sad Eyed Lady of the Lowlands. Luego de acabar una larga relación amorosa, Young canta “she needs someone that she can scream at, and I'm such a heel for makin' her feel so bad” (“ella necesita alguien a quien pueda gritar y yo soy un canalla por hacerla sentir tan mal”), mientras golpea su guitarra acústica con lenta determinación.

Nicolette Larson

Ahora que he escuchado un poco más de su obra, se me hace clara la importancia de Neil Young (de la que los enterados hablan) en la música norteamericana y mundial. Es trascendental, no sólo por su inigualable capacidad para crear rudos himnos originales y melodías agridulces, sino porque este D’Artagnan del norte de América (sin plumas en el sombrero, con jeans en vez de mallas apretadas y que ha cambiado al cardenal Richelieu por George W. Bush), puede clavarte la estocada más febril, cuantas veces le dé la gana. Por lo pronto, es el creador de algunas de las canciones que forman parte de la banda sonora de mi vida (estoy convencido de que Ambulance Blues siempre me hará recordar la desgracia que acabamos de vivir en el país). Sin embargo, lo más sensacional de todo es que me falta mucho de su obra por conocer.

Lo que no entró…

1. Neil Percival Young nació en Toronto, Ontario, el 12 de noviembre de 1945.

2. Con Crosby, Stills & Nash editó cinco discos en tres décadas. El más importante fue el primero, Déjà Vu (1970), que contiene Helpless. Su éxito Ohio (compuesto por Young) habla de la masacre de la universidad de Kent State (4 de mayo de 1970) en la que miembros de la guardia nacional de Estados Unidos mataron a cuatro estudiantes que protestaban contra la decisión del presidente Nixon de invadir Camboya.

3. Su último disco, Living With War (2006), critica abiertamente la administración del presidente de Estados Unidos, George Bush.

4. Para la cadena de radio CBC Radio One, Four Strong Winds, del cantautor Ian Tyson, es la más grande canción canadiense de todos los tiempos.

5. La linda cantante Nicolette Larson murió de edema cerebral en 1997 con solo 45 años. Siempre la extrañaremos.

Red con ritmo

2007-08-17T19:43:00.000-05:00

¡Oiga! Dos grandes amigos me han dado un par de noticiones.

El primero me lo contó mi hermano (y sonero en España) Diego Alonso Eslava, nada más y nada menos que tomándonos una chela (yo) y un pisco sour (él) en el concierto de Caetano Meloso (no es error de digitación).
El dato es casi un milagro: resulta que existe un blog en el que te puedes bajar TODA la discografía oficial de Héctor Lavoe, incluidos, cómo no, los discos de Willie Colón en los que participó ‘el cantante de los cantantes’. Los tracks en MP3 están comprimidos (necesitas el Winrar para descomprimir los archivos) y (esto es lo mejor) la velocidad de reproducción de la mayoría de álbumes es de 320 Kbs por segundo.
El desquiciado perpetrador de esta quimera se llama Julián Drago (¡ídolo!) y la dirección de su página personal (tienes que entrar ahora mismo) es sunoflatinmusic.blogspot.com. Los post (en inglish, man) también están chéveres y tienen buena, y nueva, información.

The Héctor Lavoe discography
http://sunoflatinmusic.blogspot.com/2007/07/hector-lavoe-discography.html

El segundo notición me lo dijo el camará Jorge Ruiz (eternamente agradecido, todo el crédito para él); que la página web del maestro, y actual ministro de turismo de Panamá, Rubén Blades, o ‘bleids" (cacofonía que a veces irrumpe desde la propia boca del genio), ha agarrado un nuevo aire. Ahora todos los que ingresen a rubenblades.com, podrán chekear el programa "SDRB" ("show de rubén blades"), que conduce el propio autor de Ligia Elena.
En 8 emisiones de antología (hasta la fecha), el compositor ha respondido las preguntas más espontáneas de sus ‘fans’, presentado a sus grupos musicales favoritos, cantado algunas canciones, contado sabrosas anécdotas e, incluso, enseñado al respetable a preparar unos apetitosos patacones.
Ha hablado de Lavoe, Willie Colón, del Perú, de su vida, sus canciones (qué significa GDBD), política, literatura, en fin... Todo muy improvisado. Un deleite para sus seguidores (me incluyo y, anuncio, pronto le escribiré al gran creador de Maestra Vida).
Deja de leer esta tontera y clickea ya http://www.rubenblades.com/. Todos los lunes se cuelgan los nuevos programas y los anteriores los puedes ver completos en iTunes.

SDRB

http://www.rubenblades.com/

Ciudad de papel

2006-10-23T18:20:00.001-05:00

Visiten el nuevo blog Ciudad de papel.

Sueño frustrado

2006-10-05T14:19:00.000-05:00

Estoy con Beatriz, mi jefa en el Diario. Es de noche y estamos en su oficina. De pronto entra un señor de unos 50 años, pequeño, flaco, de pelo negro (poco y peinado hacia uno de los costados). Viste una chompita caqui, tal vez una camisa blanca, lleva unos pliegos de papel enrollados y algunos sobres de manila de buen tamaño.
Beatriz lo saluda y me dice “¿conoces a Zegarrita?” “Sí, claro”, miento. Beatriz entiende que afirmé por compromiso y me explica: “Zegarrita trabaja hace más de 30 años en el Diario”. Zegarrita permanece sin expresión y no habla.
Mi jefa comienza a extender los pliegos de papel y los coloca en el piso. Eran afiches auténticos de conciertos de Led Zeppelin. Me quedo atónito mientras Zegarrita saca de uno de los sobres varios discos de vinilo de mi grupo favorito de todos los tiempos, algunos que jamás había visto. “¡Soy archi-super-hiper-ultra fanático de Led Zeppelin!”, suelto, sin que Zegarrita responda nada.
Me entero de que el Diario va a regalarle un viaje a Zegarrita para que vea a Led Zeppelin en vivo y que yo voy a ser el afortunado que lo va a acompañar al concierto para hacer la cobertura periodística, el próximo 5 de junio.
¡No podía ser! ¡Ni siquiera sabía que se iban a juntar! ¡Qué maravilla! “No te preocupes Bea, yo voy y te hago una crónica espectacular de dos páginas en Luces”, digo mientras pienso en el inicio de la nota: “Ha pasado mucho tiempo desde que rockeamos, gritó Robert Plant luego de 27 años”... Luego pregunto “¿Y quién va a tocar la batería?”. “Jason Bonham”, me dice Beatriz. “¿Y John Paul Jones?” “También, ya está confirmado”, responde de nuevo mi jefa con seguridad. ¡Genial!
Zegarrita sigue estático mientras yo continúo viendo los viejos posters y vinilos. Soy feliz, de pronto ya no. Estoy en mi cuarto, echado en la cama, la luz del día entra por la ventana, son las 10. ¡Puta madre! Otra vez voy a llegar tarde al trabajo.

Taxista Ye Ye

2006-07-31T21:00:00.000-05:00

10:30 p.m. Cruce de la avenida Higuereta con Caminos del Inca. Acababa de grabar algunos coritos en el estudio y me iba a la casa de Romi para terminar una singular (y agotadora) jornada, que había empezado en el diario y continuado en el set de "Con buena onda". Algo resfriado y aún abochornado por las luces de televisión, puse el brazo horizontal para detener un taxi que venía detrás de una combi. El Toyota blanco paró. Un caucásico cuarentón de metro noventa iba al volante.

"Buenas noches maestro, cuánto me cobra a Pueblo Libre". "10 lucas" respondió con voz desagüe. Me pareció que era un precio módico, teniendo en cuenta el largo camino por recorrer. Abrí la puerta trasera y me senté. El asiento del conductor estaba tan replegado que hubiéramos estado a la misma distancia si me sentaba adelante. "Pedro" me dijo presentándose. "Qué tal", le respondí. Generalmente no me gusta hablar con los taxistas porque prefiero los viajes tranquilos y silenciosos. Lo máximo que digo es "¿le molesta si fumo?". Esta vez ni siquiera me atrevería a preguntar.

Apenas arrancó, soltó: "Mamarracho, mamarracho… ¿Conoces esa canción?". "Pucha, me tocó un conversador", pensé. El tiempo me demostraría (sin demora) que estaba equivocado, el hombre no era exactamente un charlatán.

"Claro", respondí. Dejó de ver el camino, volteó extraño, con la mirada abierta y me dijo levantado un poco la voz: "¿Cómo la vas a conocer tú? A ti te debe gustar el reguetón". Algo ofendido contesté, "No, para nada. Bueno… conozco la canción porque me gusta la música". "¿Te gustaría escucharla?", me preguntó. "Claro", dije. En un instante me di cuenta que no había radio… sí pues, no iba a ser necesaria. El viaje sería realmente largo, muy largo.

"Fue tan solo fantasía
lo que el mundo me brindó,
cuando más te sentí mía
el destino te alejó.

Y mil voces por la calle
hoy me gritan que no estás
y soy sólo un mamarracho
que te quiere más y más.

¡Mamarracho, mamarraaaacho!
Vendedor de soledad
siempre entregas tu cariño
y el amor nunca se da.

¡Mamarracho, mamarraaaacho!
Siempre tienes que llorar,
pero algún día a tu puerta
el amor ha de llegar…"

Casi cuatro minutos después, el señor terminó de cantar "Mamarracho" mientras yo veía la calle por la ventanilla, pasando saliva de vez en cuando y disimuladamente. Se mandó seis estrofas y tres coros a vista y paciencia de varios conductores vecinos. ¡Ta que roche!. Cuando acabó el primer coro pensé en decirle algo amable como "muy bien" (no cantaba mal, simplemente era algo desentonado porque tenía la garganta aguardientosa), pero el hombre se cantó toda la vaina completita, incluso de vez en cuando hacía "clin, clin", simulando el sonido de la guitarra.

Bueno, acabó y no dije nada. Pensé que eso era todo y que mi falta de entusiasmo iba a convertir el resto del viaje en silencio. ¡Qué iluso! "¿Qué linda canción, no? Dijo matando la paz… "Sí pues… ¿esa es de los Iracundos, no? (Era una pregunta incontenible). Subió la voz y dijo "¡Ah!, conoces… esa es mi música. La nueva ola, no las huevadas de ahora. Yo soy músico también". "Qué bacán, tiene un grupo", dije ingenuo. "No, canto en mi casa no más, pero tengo buena voz, ¿no?", preguntó. "Claro, muy buena" solté comprometido y algo más palteado con el tono del pata, más imperativo que arrogante.

Iba a bajar la luna pero reaccioné tarde: "Escucha esta" me obligó.

"Voy a pintar, cha la lá,
las paredes con tu nombre mi amor,
cha la lá, cha la lá,
para que sepas,
que te quiero de verdaaaad.
Chucu chún, chucu chún…

Tus ojos son, como el cielo todo azul, todo amor…"

La situación se ponía más extraña cada vez y no sabía cómo reaccionar. Me di cuenta que el carro olía un poco a alcohol y que una botellita de Inka Kola que contenía un líquido transparente, descansaba cerca al freno de mano. Temía por mi vida, mi billetera, pero al mismo tiempo no podía dejar escapar una tímida sonrisa que encerraba cierta ternura por el esquizofrénico de mierda que me había tocado como taxista. Decidí relajarme y ser natural…

Cuando terminó de cantar, dio un sorbo a su botella y me dijo: "Osea que te canto dos canciones y no me aplaudes ni nada… ¿Tas huevón?"… Luego de razonar (Si el pata quería me sacaba la mierda en una), contesté con una sonrisita nerviosa sin dejar de ver por la ventanilla: "jejejeje". Él también se rió (uffff)… Traté de mostrarme interesado: "¿Y también le gustan los Beatles?" "Claaaro", contestó acelerado.

La cagué de nuevo, ahora íbamos zigzagueando por la vía expresa mientras el hombre interpretaba con alegría una muy personal versión de Can't Buy Me Love:

"Ken ba mi roooo-ó roooo-ó
Ta ra ra ra ra ra-ra, la-lá la la la la".

Terminó y dijo: "Puta que yo me he tirado a todas las de mi barrio". Inmediatamente corrigió "No, me faltó Ivonne… era muy gordita, pero ahora está bien rica la puta… su mamá se murió… conchasumadre"(¿?) "Qué pena", acoté. Saltó del asiento y me miró: ¿Qué cosa?… "No, nada, que así es la vida… entonces ¿sigue viendo a la gente de su barrio? "No pues, yo vengo de Miami. Escucha esta…

"Tan tán
Dejaré mi tierra por ti,
tan tán,
dejaré mis campos y me iré
lejos de aquí.

Tan tán
Cruzaré llorando el jardín
tan tán,
y con tus recuerdos partiré
lejos de aquí.

Tun turun turun
De día viviré pensando en tu sonrisa,
de noche las estrellas me acompañarán,
serás como una luz que alumbra mi camino,
me voy pero te juro que mañana volveré.

Al partir, un beso y una flor,
un te quiero, una caricia y un adiós.
Es ligero equipaje para tan largo viaje,
las penas pesan en el corazón…"

"Esa es de Nino Bravo" dije… Me miró mal y me retó, "a ver esta":

"Butterfly, Butterfly… la la la la la lá.
Butterfly, Butterfly… la la la la la lá".

¿Qué carajo era eso? "No sé maestro, ¿esa de quién es?", le dije cuanto terminó. "Es de uno que se llama no sé y se apellida no me acuerdo... jajajaja"... Celebró su chiste nuevaolero con otro trago del misterioso líquido.

Estábamos por la avenida San Felipe y de los otros carros, que esperaban en el cruce, salían miradas que parecían burlonas carcajadas. El hombre cantaba fuerte y movía el cuello como lo haría un Frankenstein sesentero. Sentía vergüenza pero reconocía que la situación era divertida. Ya faltaba poco, sin embargo me había acostumbrado y, en realidad, no la estaba pasando mal… entonces me animé: "¿Le gusta José José?" "No mucho", respondió, "prefiero a Raphael… pero el borracho ese tiene buenas como Gavilán o Paloma"… Mi pedido sería cumplido.

"No dejabas de mirar estabas sola,
completamente bella y sensual.
Algo me arrastro hacia ti como una ola
y fui y te dije hola… que taaaaal.

Esa noche entre tus brazos caí en la trampa,
cazaste al aprendiz de seductor.
Y me diste de comer sobre tu palma,
haciéndome tu humilde servidooor.

¡Amiga!, hay que ver cómo es el amor,
que vuelve a quien lo toma,
gavilán o palooooma.
Pobre ton-to, ingenuo charlatán,
que fui paloma por querer ser gavilán…"

El viaje terminó, por fin, con "Hipocresía" de Los Pasteles Verdes y otra de Manzanero que no recuerdo. "Gracias por todo maestro" me despedí abriendo la puerta, escapando, para ser sincero. "Apunta mi número en tu celular para cualquier cosa", me detuvo… Preferí no sacar el celular (¿acaso había esperado hasta el último momento para robarme?). Cogí el lapicero que siempre cargo en el bolsillo derecho y apunté los ocho números en la palma de mi mano. "Pedro, ¿no?", "Sí", respondió. "Gracias Pedro, un gusto". Aunque tenía medio cuerpo fuera del carro, el fuerte apretón de manos me detuvo por unos segundos.

Mientras esperaba que me abrieran la puerta de la casa, el hombre seguía con el Taxi parado. Apenas abrió Romi, me metí disparado. Recién adentro escuché que arrancaba.

Tomando la clásica sopa nocturna, no entendía bien qué podía sacar de esta bizarra situación, de esta experiencia tan jocosa como tenebrosa. No tenía idea, me bloqueaba el pensamiento una maldita canción… ¡Mamarracho, mamarraaaacho!

Discos para el Invierno

2006-07-31T20:19:00.000-05:00

Cada día se me hace más difícil levantarme de la cama temprano y, por ende, llegar a la hora al Diario. Abro el ojo y el frío es más potente aun que mi patentada flojera. Puta madre, ¡alalau! Se me hace más difícil la cosa, sobre todo, porque el calentador de la ducha está malogrado desde tiempos inmemoriales y bañarse es peligro de pulmonía. Debo sobreponerme, pensar en otra cosa, soplar como caballo y finalmente salir mojado y resfriado (Verdad, no sé si siempre estoy con gripe o a punto de enfermarme).

Ahora sí que el cielo de Lima está más panza de burro que nunca y eso me deprime como mierda. Todo me sale bien, las cosas van viento en popa en la chamba, no hay razón para ponerse mal, sin embargo estoy down. Así es pues, a mí me contagian estas bajas temperaturas, esta ciudad 'incontrastable' (porque no hay contraste en la calle, los fantasmales cuerpos de las personas no producen sombras, todo es plano, gris).

¿Novedades? Dejé el pucho el domingo, pero ayer algo me cagó el día y me fumé diez (hoy voy cuatro). ¡Qué chucha!

Algo paja. Hoy en la mañana, por la luna del taxi vi al "Gordo" Cassaretto en una calle de Lince. Está más acabado que el Mundial. Sin embargo, pasó una chica simpática a su lado y se cagó de risa por algo que le dijo el rollizo personaje: no hay duda, sigue siendo un capo el compinche de Barraza. Comento esto porque en Lima pocas veces (o cada vez menos) se ven cosas simpáticas y espontáneas cuando estás fuera de casa o de la oficina. Eso me hace sentir mejor. Pienso que cuando todo va lento, monse y medio triste, las bromas y el ingenio funcionan mejor. Te levantan más.

Creo que podemos elegir entre dos formas para hacer más interesante y productivo el invierno: o nos dejamos mojar por la sucia garúa, aprovechamos para mejorar el rochoso promedio de lectura del país y nos volvemos introspectivos (lo que tiene su parte chévere, analítica y melancólica); y/o buscamos animarnos y le sacamos la vuelta a la ley del clima.

Yo tiro más para la primera opción.Como la música puede ser el aliado perfecto para las dos empresas y como creo que merezco huevear un rato, he elaborado rápidamente una lista con algunos discos que pueden hacer más interesante esta gélida temporada. Son joyitas poco famosas y sacadas de la refri.
Aquí va:

1. Bob Dylan - "Desire" (1976): No es una joyita, es un diamante. No he escuchado, ni tengo, todos los discos de Dylan, pero me atrevo a afirmar que después de Beethoven, Bach y Mozart, sigue Bob (junto con Lennon/McCartney). Muchos dicen que el gringo es el mejor 'letrista' de la historia. Esto puede ser verdad, pero minimiza su gran categoría como compositor musical. La letra es solo una de las partes que forman cualquier canción y obviamente no es la más importante (me extenderé sobre eso en otro post). Bueno, vamos al disco. "Desire" es un maravilloso regreso al folk y, sin contradecir lo dicho antes (sobre la letra, que lo minimiza, etc.), posee las mejores historias contadas por Dylan (y su compañero de turno, el director Jacques Levy). Fabulosas novelas enteras son "Joey" y "Romance in Durango" (en la que las voces de Bob y la fabulosa Emmylou Harris sollozan "no llores mi querida, dios nos vigila" con un español que…bueno, tienen que escucharla). Un conmovedor violín, interpretado por Scarlet Rivera, se pasea por todo el disco, acomodándose a la perfección en cada surco. "Oh, Sister" y "Sara" (un Dylan con el corazón hecho hilachas cantándole con nombre propio a la mujer que lo abandonó en la vida real), son dos de las canciones más emotivas que he escuchado. Perfecto para melancólicos invernales.

2. Tom Waits - "Closing Time" (1973): Otro de los discos favoritos de este, su servidor. Cuando recién lo descubrimos con mi tocayo Julio Ubillús, decíamos que una buena forma de pasar la vida sería levantarte de la cama a las 6 y media de la tarde, servirte un par de vasos de whisky con hielo y sentarte frente a la ventana para ver el ocaso del día mientras escuchas el Closing Time con un buen puro entre los dientes. Luego de que se termine el disco, el whisky, el puro y el ocaso (al mismo tiempo, ojalá) regresas a la cama, duermes y te levantas de nuevo a las 6 y media de la tarde del día siguiente para hacer lo mismo por los siglos de los siglos… Amén. Ahora que me pongo a pensar, tal vez yo dije esa pastrulada y Julio solo me escuchaba mientras pensaba "¡Quemao!".

3. The Rolling Stones - "Between the Buttons" (1967): Uno de esos discos que me ayudan a compartir gustos musicales y crear esa conexión que solo la música puede producir con la gente. Me gustaría conocer a más personas que les guste "Between the Buttons", que no debe estar entre los 10 más populares o trascendentales discos de los Stones, pero que es profundamente mágico. Jagger y compañía pasaban por un momento de indecisión. De hecho era una situación jodida: los Beatles habían encontrado la maña de la psicodelia y la forma de experimentar con sus potenciales y los gustos de la gente. La respuesta fue el clásico "Aftermath" y el año siguiente salió "Between de Buttons" que para muchos es un disco feo o de transición o fallido (aún no entiendo cuando ese adjetivo se usa en una crítica musical), pero a mí me parece fantástico. La grabación es misteriosa pero magistral (se lucen sobre todo Wyman y Watts) y las canciones son una mejor que la otra. Este disco para bailar con casaca (o poncho hippie si quieres) tiene "Let's Spend The Night Together", "Ruby Tuesday", "Complicated", "Connection", "She Smiled Sweetly", entre otras.

4. King Crimson - "Islands" (1971): Desde hace siglos el color también es una cualidad musical. No es una tontería. Sucede que el idioma es completamente inútil para explicar algo intangible, que solo se puede oír y que produce sensaciones incalificables e irracionales. Es así como los timbres que producen los instrumentos tienen sonidos "claros" u "oscuros". Por ejemplo, muchos coinciden en que el acorde Do mayor es de color rojo. Bueno, toda esta introducción simplemente para que no suene flaco lo siguiente: si existe un disco negro en la historia ese es "Islands", un álbum cocinado en una olla de brujas por los insuperables King Crimson. Para los que quieren caer en la gloria (y en serio) y con una dosis de miedo.

5. Genesis - "Trespass" (1970): Pucha, ya me puse progresivo. Bueno, no importa porque este disco es bastante bueno. Lo conocen pocos y casi nadie lo ha escuchado, pero este invierno puede ser una buena ocasión para conseguirlo. Phil Collins todavía estudiaba actuación luego de clases y los demás Genesis no lo conocían. De hecho les faltaba un buen baterista (Collins lo es sin duda, al César lo que es del César), pero Banks y compañía se las arreglaron para hacer un gran disco que tiene un ambiente inigualable, enigmático. La voz de Peter Gabriel recién empezaba a soltarse y canciones como "Looking For Someone", "Visions of Angels", "White Mountain" y la catártica "The Knife", producen una obra sorprendente. Para los que desean escaparse de la fría rutina por 42 minutos y 43 segundos.

6. Joaquín Sabina - "El Hombre del Traje Gris" (1988): Nunca las guitarras ochenteras fueron tan gélidas como en este disco del "genio de Úbeda", que ya había patentado su 'chaplín' una década antes. "Nacidos Para Perder" "Una de Romanos" y "Juegos de Azar" te colocan en cualquier urbe del mundo donde la melancolía y el desamor cobran el peaje: Buenos Aires, Madrid o Londres. Yo me enamoré de este disco a primer acorde. Comparto el flechazo helado con Calamaro, que también, dice, lo sintió jodido.

7. Agrupo a varios en el 7 porque ya no puedo huevear tanto y la flojera me invade. Suelto algunos títulos más: Patti Smith - "Wave" (1979), "Dancing Barefoot", "Frederick", "Hymn" ), Gustavo Cerati - "Bocanada" (1999, lo mejor de sus carrera solista, sin duda), Lou Reed - "Berlin" (1973, para suicidas en serio), Erick Satie - "Ogives" (para claustrofóbicos suicidas), Claude Debussy - "Suite Bergamasque" ("Claro de Luna", palabras mayores) y Roy Orbison - "The All Time Greatest Hits By Roy Orbison" (el mas grande de principios de los sesenta: "Crying", "Only The Lonely", y la genial "Dreams").

Que pasen un extraordinario invierno.

SOUNTRACK DEL POST
Bob Dylan - Oh Sister

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The Rolling Stones - Complicated

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ADVERTENCIA

2006-07-31T20:14:00.000-05:00

El post "Ica en tiempos del Mundial" ha sido eliminado debido a las crecientes amenazas de muerte dirigidas al autor. Regístrese, comuníquese y publíquese.

BAJO EL CIELO DE UN VERANO ITALIANO, “Il mondo in una giostra di colori”

2006-06-19T19:25:00.000-05:00

NO ERA INVIERNO

El sol brillaba todos los días, como el logo de D’onofrio. Era un verano interminable y alegre como pocos, en un sucio barrio de San Miguel que por única vez no apestaba a barro con pichi de gato. Ahora un rico viento tropical corría coloreando las fachadas de los callejones. Al menos eso es lo que creo que recuerdo. En el mundo era junio, en Lima estábamos entre otoño e invierno, pero el calor mediterráneo que hacía en Italia parecía contagiarnos acá, en nuestra rutinaria tristeza, y convertía el llanto que aguantábamos en la punta de los ojos en una festiva emoción.

PRIMAVERA

Antes de que empezara el Mundial de Italia 90, yo apenas había tenido un par de acercamientos con el fútbol. De México 86 (yo tenía casi 6 años) no vi ningún partido y solo conocía a “Pique”, la mascota, porque estaba impresa en las bolsas de Monterrey. También sabía que un argentino chato había metido un gol con la mano, lo cual me complicó más el asunto ¿acaso a nadie se le había ocurrido antes? Qué tontería, mejor sigo viendo He-Man.

Poco tiempo después, un avión cayó en el mar de Ventanilla y murieron todos los jugadores de Alianza. Mi hermano era hincha a muerte del equipo de La Victoria y por eso yo también me hice simpatizante de Alianza, aunque jamás me preocupé por saber cómo había quedado el equipo de mis amores (de los de mi hermano, en realidad), ni vi ningún partido ni festejé un solo gol blanquiazul.

En honor a los caídos elaboré con plumones, crayolas y lapicero, varias copias de un emotivo dibujo, que, entre otras cosas, tenía jeroglíficas figuras de jugadores pintados con plumón negro y un avión en llamas. Una flecha compuesta por tres líneas indicaba que el piloto era de la “u” (a partir de ahí comencé a alimentar el fuerte odio que le tengo al equipo que representa las peores costumbres sociales del Perú, pero bueno, me estoy desviando del tema).

VERANO

Fue a partir de Italia 90 que me convertí en un apasionado del fútbol. No sé qué bicho me picó, pero en pocas semanas ya me sabía TODO sobre el mundial: las sedes, los jugadores, en qué clubes estaban, las reglas del juego, historia de los campeonatos anteriores, etc. Paporreteaba mejor que autista y, dicho sea de paso, no analizaba mal. Era una fiebre dulce.

Mientras leía la parte deportiva del diario o “El Gráfico” que me pasaba mi hermano, escuchaba la radio. O prendía la de la casa o alguien encendía la suya en plena calle y a buen volumen. Entonces salía al jardín, me apoyaba en la diminuta y crujiente puerta de madera y leía, observaba con orgullo mi álbum (tenía la figurita de Bebeto, la más tranca de conseguir), luego levantaba la vista y mis ojos generaban decenas de colores por el sol que brillaba sin parar. No hacía un calor muy fuerte, el suave viento creaba un tiempo ideal.

Respiraba fuerte, el asma que vivía en mi garganta parecía extinguido y celebraba la satisfacción trepándome en la puertita (que hasta hacía poco me sobrepasaba la cabeza) para mirar hacia el mar que no se veía, a pesar de que no había nada entre los dos y que estaba a tres cuadras, pero que se respiraba. Miraba hacia el otro lado y observaba cómo brillo solar chocaba en la acera, en la pista. Un paraíso de cemento.

Me gustaban los colores de Brasil, las alucinantes camisetas de Holanda, que llevaban en el pecho mis ídolos Gullit, Van Basten y Rijkaard (si alguien tiene una, se la compro). También la lejana toma de la televisión que nos permitía ver cómo los equipos se paraban en la cancha, el reloj de las transmisiones que era una línea punteada vertical al lado derecho de la pantalla, los estadios y maravillosos lugares que hacían de Italia un país inigualable, las chicas brasileñas “danzandu lambada” en la fachada del San Siro, en fin…

El capo Ruud Gullit y la camiseta pedida

En mi calle también se escuchaba Lambada, el “Coco-loco” y sobre todo el fabuloso mix “Disco Samba” de los Two Men Sound. La alegría era brasileña, no había duda, solo Maradona la pudo borrar, con un pase al maricón de Caniggia. Tanta algarabía, la fiesta eterna que me había hecho olvidar del asma se había acabado. Gracias Diego huevón, yo sabía que eras un idiota antes de que todo el mundo se diera cuenta: qué es eso de meter un gol con la mano, pendejo. Y después te das el lujo de, jugando mal y con un equipo de mierda, eliminar a Brasil y llegar a la final.

Bueno, tranquilidad. No me quedó otra que hacerme hincha de Camerún y de su estrella Roger Milla. Lamentablemente el partido que más recuerdo es el que los “leones indomables” jugaron contra Inglaterra por cuartos de final. Después de la derrota ante los británicos (en un partidazo), Italia 90 terminó para mí. No vi más. Volví a los dibujos animados, ya no daban He-Man, pero no importaba, los Thundercats eran de la puta madre.

Los ingleses vencen a Camerún, el último partido que ví.

OTOÑO

A la distancia y siendo frío, Italia 90 puede ser el peor mundial de los últimos 40 años, pocos goles, se jugó feo, Holanda pasó sin pena ni gloria, en realidad su camiseta era bastante huachafa, Van Basten no metió ningún gol, Brasil jugó su peor mundial después del de 1966, Bebeto no jugó, Argentina era una porquería y le fue bien, Italia comenzó a volverse un equipo amarrete y ganaba con las justas gracias a un jugador oportunista y mediocre como el “Toto” Schillaci. En fin, un mundial aburrido y que, para colmo, ganó Alemania. Qué fiasco.

Pero siendo completamente subjetivo, desde el 94 los mundiales son una gran frustración para mí, porque cada vez que empieza uno quiero que sea como el de Italia 90, y eso es imposible. La melancolía me invade y la añoranza es eterna. Por eso de vez en cuando escucho “Disco Samba” y regreso a mi álbum roto y polvoriento.

VERANO OTRA VEZ

Hace unos meses Romi me hizo recordar la canción de aquel mundial y luego la escuché en un comercial sobre la selección argentina de CTI Móvil. Una flecha me electrificó el corazón, la había olvidado por completo.

Ahora que la he conseguido, la escucho todo el tiempo y, aunque miro al cielo y todo está nublado de frío, he sentido aquella emoción otra vez. ¿Ven? Una canción puede hacer milagros. Mi música para este mundial no es ese falso “oé-oé-oé” del 2006 (que no es más que un intento de volver al “alé-alé” que cantaba el baboso de Ricky Martin en Francia 98), es “Un’ Estate Italiana” (un verano italiano), interpretada por Gianna Nannini y Edoardo Bennato. ¡Qué emoción! ¡Forzzzzza Italia este 2006!

SOUDTRACK DEL POST

Gianna Nannini y Edoardo Bennato - Un´ Estate Italiana

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prueba carl perkins

2006-06-12T18:19:00.000-05:00

Estoy probando esta vaina de poner música en el blog. Va dedicada a los pocos que han escuchado la versión de los Turbopótamos (si pues, no era nuestra).

CARL PERKINS - Right String Baby

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LOS BUENOS TIEMPOS, La década del 50 o la prueba de que "todo lo pasado fue mejor"

2006-06-06T20:41:00.000-05:00

UNO

Cuando éramos niños éramos mejores por muchas razones, pero principalmente porque estábamos más cerca de nosotros mismos que en cualquier otro momento de nuestra vida. Le decíamos a la tía que era fea en su cara, no por malos, sino porque éramos sinceros. Conforme vamos creciendo nos vamos corrompiendo y podemos convertirnos en lo que por esencia no somos. Tenemos miedos sociales, represiones absurdas, poses y objetivos impuestos que trascienden nuestra auténtica personalidad.

Y no es que no me gusten las evoluciones, o el resultado de las mismas, o la admirable madurez. Al contrario, gracias a la práctica inconsciente de dicha acción (evolucionar), tenemos la suerte (yendo al grano) de poder escuchar música magnífica. Pero lo fresco, lo nuevo, la idea original puesta en físico, el primer proyecto, el diamante en bruto, el aire fresco, la revolución explosiva, la subversión artística, lo primero, siempre tendrá un encanto incomparable, único, como la niñez.

Por supuesto que nada empieza de cero, que para llegar a uno (1) se necesita evolucionar. Pero llegar a 1 siendo original, nuevo y a la vez trascendente, es sin duda una genialidad, espontánea y casi un milagro.

Por eso, el placer que me provoca escuchar esas canciones que empezaron sin miedo lo que llamamos (sin conocer del todo, aún, sus fronteras) rock and roll, es inigualable… y la sonrisa es eterna.

1954

El 1 de marzo de 1954 el gobierno de Estados Unidos, encabezado entonces por D.D. Eisenhower, hizo estallar la primera Bomba de Hidrógeno en el atolón de las Islas Marshall, en Oceanía. La temperatura en el lugar de la explosión llegó a más de 15 millones de grados (o sea más o menitos igual al bochorno que podríamos sentir en el centro del sol). Pocos meses después y varias islas menos, una explosión de menor gravedad ecológica, pero mayor en trascendencia histórico-social, se llevó a cabo en la tierra de las "Big Mac". A las 9:30 p.m. del 3 de junio, la estación de radio WMPS de Memphis emitió una canción grabada por un joven de 19 años llamado Elvis Aaron Presley. El título era "That’s All Right, Mama", un tema que ya había tenido cierta popularidad años atrás con la voz de un cantante negro que hacía lo que podía bajo la "chapa" de Big Boy. Apenas acabó el tema, el telefonista de la emisora se cansó de recibir llamadas de gente obsesionada con volver a escuchar el disco de 78 revoluciones. A los programadores no les quedó otra que pasar 30 veces la canción durante las 24 horas siguientes.
Como conocemos, Elvis se convirtió en estrella mundial, personaje público Nº 1 y a la fecha es el intérprete que más discos ha vendido en todo el mundo (se estima que son poco menos de 600 millones).

¿A qué se debe este fenómeno? Definitivamente, podemos decir que con "That’s All Right…" los jóvenes de la época se sintieron identificados, que la temblorosa voz de Presley conmocionó a miles de personas, pero creo que lo más importante, como siempre, fue lo más simple. Elvis y los músicos que se juntaron para tan importante sesión en los míticos estudios Sun, simplemente aceleraron un blues lento y lo amalgamaron con la forma del country. El resultado, un plato nunca antes cocinado ni, por supuesto, degustado: "Rockabilly" o "Country rock"… a la mierda, simplemente "Rock and roll".

FOTO: EL COMERCIO/AP
Sin embargo, el Rock and roll, en el mismo año que comenzó su larga vida, se complicó gracias a otros genios y descubrió en sí mismo su característica especial: no tiene fronteras, es el mejor espacio para las fusiones más extrañas y descabelladas. Por lo tanto, descubrió inmediatamente su calidad de género universal, sin haber salido de la tierra que lo escuchó nacer.

En el mismo año Ray Charles creó una nueva vertiente con la misma semilla grabando "I Got a Woman" y creando el "Soul" al combinar blues, country y gospel. También en el ’54 el blusero Muddy Waters le puso más potencia a su guitarra eléctrica y al grabar "Hoochie Coochie Man" (de Willie Dixon) le marcó el camino a los grupos de los sesenta (como Led Zeppelin, The Who, Cream, etc.) De igual forma, Bill Haley inventó el Rock bailable en menos de dos minutos con su "Rock Around de Clock", y a la postre, dictó una clase que pronto seguirían los grupos de Pop de los setenta (sí, los Beatles incluidos).

A lo que sí no tengo respuesta es a por qué la epidemia del Rock se originó en 1954 y contagió tan rápido, tanto a los genios como a los seguidores. Inmediatamente después aparecieron en escena Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Sam Cooke y otros que interpretaron las canciones más bellas y sorprendentes jamás hechas.

Entonces, los que piensan que Los Beatles comenzaron todo están muy equivocados. Fueron los mejores, los magos, los alquimistas, los que cruzaron todo tipo de fronteras, los que le dieron un nuevo significado al término innovación, etc., pero no fueron los primeros. Retrocede diez años desde "A Hard Day’s Night" (Julio de 1964), escucha, y vas a decir ¡a la mierda los sesenta! Me quedo con los cincuenta, para siempre.

SIÉNTATE Y ESCUCHA
Me atrevo a decir que este podría ser un buen disco recopilatorio, un reflejo de los buenos tiempos. Igual, queda mucho por escuchar.

01. That’s All Right, Mama (Elvis Presley, ’54)

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02. I Got A Woman (Ray Charles, ’54)
03. Hoochie Coochie Man (Muddy Waters, ’54)
04. (We’re Gonna) Rock Around The Clock (Bill Halley and His Comets, ’54)
05. Shake, Rattle & Roll (Big Joe Turner, ‘54)
06. Maybellene (Chuck Berry, ’55)
07. Be-Bop-A-Lula (Gene Vincent, ’56)
08. Hound Dog (Elvis Presley, ’56)

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09. Long Tall Sally (Little Richard, ’56)
10. Blue Suede Shoes (Carl Perkins, ’56)
11. I Wak The Line (Johnny Cash, ’56)
12. Folsom Prison Blues (Johnny Cash, ’56)
13. Blueberry Hill (Fats Domino, ’56)
14. Smoke Stack Lightning (Howlin’ Wolf, ’56)
15. You Send Me (Sam Cooke, ‘57)
16. Great Balls Of Fire (Jerry Lee Lewis, ’57)
17. Whole Lotta Shakin’ Going On (Jerry Lee Lewis, ’57)
18. Johnny B. Goode (Chuck Berry, ’58)
19. Summertime Blues (Eddie Cochran, ’58)
20. What’d I Say (Ray Charles, ’59)

El Hecho:

en 1954 la marca de guitarras Fender

sacó a la venta la Stratocaster, el mejor

instrumento de seis cuerdas del mundo.

INTRO

2006-05-30T16:32:00.000-05:00

Parte I

El gusto es un sentido animal. Sirve esencialmente para proteger al ser que lo posee como cualidad, para distinguir el alimento que no le sirve o le hace daño, del que le ayuda a permanecer saludable y le da agilidad y fuerza.
El gusto, además, es el único sentido cuya acción (gustar o disgustar) puede asociarse a los demás. Me gusta el sabor de la cerveza y, de la misma forma, me gusta ver un cuadro de Courbet, tocar el cuerpo de mi mujer, oler una sandía cuando voy al Supermercado y escuchar la grabación de "Good Times" de Sam Cooke.
La acción gustar está, entonces, estrechamente vinculada al placer. Por eso el arte, como el amor y todo lo que alimenta al espíritu, es tan bueno para el cuerpo físico como un exquisito manjar.
También creo que el gusto debe ir de la mano con una práctica paciente (con relación a la prudencia, no a la lentitud). El exceso o adicción a los placeres provoca (más rápido de lo que creemos), entre otras cosas, desapego, frustración, y lo que es peor, un callo difícil de limar en el órgano de la sensibilidad.

Parte II

Kant dice (interpreto) que el concepto de estética no puede despegarse del momento histórico (del presente) y ni de las definiciones pasadas de belleza, y mucho menos del lugar, por lo que no existe en sí misma. Por eso, para apreciar una pintura, debemos conocer algo sobre historia del arte. De acuerdo.
Creo que conforme pasa el tiempo y en lo que al gusto respecta, el instinto ha sido superado, y mucho, por nuestras convenciones, por el ser social, por la moda, porque la historia pesa mucho, por nuestro énfasis casi neurótico de catalogar, afirmar, discutir, defender o simplemente pensar que algo es mejor que otra cosa (o que todas las cosas). De esta forma, nos hemos convertido en catalogadores convulsivos y "rankeros" en potencia. Con lo de rankero me refiero a esa manía de armar una lista ascendente de lo mejor (y lo peor), con relación a un tema específico. La música popular (como el cine y los libros) es uno de los temas más recurrentes e ideales para ser motivo de un ranking.

Parte III

Ahora llegó el momento de la obvia confesión: soy un rankero. Porque es divertido, es un juego, porque es un rico ejercicio de valoración, porque también provoca investigación y, por lo tanto, conocimiento; pero, sobre todo, porque depende también del gusto instintivo y personal, porque es una forma de escarbar en uno mismo y luego demostrar cómo eres (soy lo que me gusta).
Armar un ranking también es parecido a crear una receta, que puede salir mal o bien en el plato. Por ejemplo, estoy armando un disco con 18 canciones del año 1966 y estoy seguro que escuchar las canciones en determinado orden me va a provocar placer y, al mismo tiempo, voy a conocer más acerca de una época musical, crearé relaciones y descubriré tendencias. Estaré contento.
Lo más extraordinario de todo es el hecho de coincidir (o no) con alguien, la discusión o las sensaciones compartidas. El gusto crea relaciones y muros divisorios. Por eso, al crear este blog, estoy procurando relacionarme, comunicarme, compartir conocimientos relacionados al placer, al gusto, para preguntarnos ¿por qué "Happy Together" me hace feliz?… ¿Me hace feliz?

SOUNDTRACK DEL POST
SAM COOKE - Good Times

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